Boulevard du cinéma

Millenium : Les hommes qui n’aimaient pas les femmes / David Fincher

2012-01-28T08:13:00.000-08:00

Mikael Blomkvist, brillant journaliste d’investigation, est engagé par un des plus puissants industriels de Suède, Henrik Vanger, pour enquêter sur la disparition de sa nièce, Harriet, survenue des années auparavant. Vanger est convaincu qu’elle a été assassinée par un membre de sa propre famille. Lisbeth Salander, jeune femme rebelle mais enquêtrice exceptionnelle, est chargée de se renseigner sur Blomkvist, ce qui va finalement la conduire à travailler avec lui. Entre la jeune femme perturbée qui se méfie de tout le monde et le journaliste tenace, un lien de confiance fragile va se nouer tandis qu’ils suivent la piste de plusieurs meurtres. Ils se retrouvent bientôt plongés au cœur des secrets et des haines familiales, des scandales financiers et des crimes les plus barbares…

Quand le réalisateur célébré de Seven et de Zodiac s'attaque à une nouvelle adaptation du best-seller de Stieg Larsson, Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes, le spectateur peut s'attendre à une plongée sans concessions au coeur du mal dont une riche famille suédoise est l'incarnation particulièrement tordue.

Deux personnages opposés, la jeune hackeuse Lisbeth Salander, rebelle mais surdouée et le célèbre journaliste d'investigation Mikael Blomkvist, sur la touche après un procès médiatisé, vont s'unir pour lever le voile sur les sombres secrets d'une famille fortunée marquée par l'anti-sémitisme depuis des décennies, une froideur comportementale (entre eux et les étrangers) et des déviances sexuelles inavouables.

Après un début assez bavard et un peu laborieux où Blomkvist tente de faire le point sur l'identité des différents membres de la famille Vanger dont le personnage interprété par Christopher Plummer semble le plus équilibré, le ton se durcit avec la description du quotidien de Lisbeth puis la rencontre entre les deux enquêteurs provoque des étincelles : la narration s'emballe, les retournements de situation s'enchainent, la tension dramatique étant maintenue à un niveau redoutable.

Combinée à la musique hypnotique de Trent Reznor la mise en scène virtuose de Fincher multiplie les plans à la perfection plastique où les ténèbres menacent de tout emporter et dissoudre (la vérité, les enquêteurs).

De ce maëlstrom de violences et d'horreurs sortent indemnes et grandis le journaliste mondain (Daniel Craig, très crédible) pour qui cette collaboration aura appris à être plus rigoureux dans sa recherche de preuves et la nerd gothique (Rooney Mara, épatante au point d'éclipser la composition déjà remarquable de Noomi Rapace dans la version suédoise de Daniel Alfredson, nettement moins convaincante en terme de réalisation) pour qui l'amitié voire l'amour sont enfin envisageables après un passé particulièrement tumulteux.

Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes selon Fincher distille un malaise profond et un trouble insidieux avec la peinture au couteau d'un univers d'une noirceur abyssale exploré par deux personnages attachants que l'on espère revoir dans des aventures aussi marquantes.

Mission : impossible - Protocole fantôme / Brad Bird

2012-01-03T14:01:00.000-08:00

Impliquée dans l'attentat terroriste du Kremlin, l'agence Mission Impossible (IMF) est totalement discréditée. Tandis que le président lance l'opération "Protocole Fantôme", Ethan Hunt, privé de ressources et de renfort, doit trouver le moyen de blanchir l'agence et de déjouer toute nouvelle tentative d'attentat. Mais pour compliquer encore la situation, l'agent doit s'engager dans cette mission avec une équipe de fugitifs d'IMF dont il n'a pas bien cerné les motivations…

Transposée au cinéma en 1995 sous l'impulsion de Tom Cruise acteur et producteur, la franchise Mission : Impossible a délivré des épisodes de constante qualité due en grande partie à la forte identité visuelle imprimée par des réalisateurs de renom comme Brian de Palma, John Woo et dans une moindre mesure JJ Abrams.

Après les scores mitigés au box office mondial du troisième épisode, les producteurs ont confié les rênes de cette nouvelle aventure qui a, comme son titre le suggère ambition de relancer la machine, à Brad Bird, réalisateur acclamé (2 Oscars) de deux films d'animation Pixar (Ratatouille, Les indestructibles).

Plus proche que les précédents de la série originelle en donnant à chacun des membres Mission : impossible une vraie carte à jouer aux côtés du personnage d’Ethan Hunt toujours aussi déterminant mais contraint de jouer collectif pour mener à bien la mission, Mission : Impossible - Protocole fantôme est de loin le plus jubilatoire et réussi en mixant avec inspiration gadgets high-tech, décors grandioses, séquences d’action décomplexée et humour absurde comme splastick.

Ne perdant jamais de vue le plaisir du spectateur, Brad Bird a concocté des cascades impressionnantes dont la séquence à Dubaï est déjà anthologique entre deux clins d’œil à la saga via une scène en apesanteur ou l’intervention de personnages clés du troisième épisode dont l’impayable Simon Pegg.

A l’image de son film d’animation Les indestructibles s’affranchissant des lois de l’apesanteur avec son attachante famille de super héros, ce nouveau film de Brad Bird constitue une luxueuse démo sur les potentialités cinématographiques, sur le plan visuel et dramatique, de la verticalité de l’action : gratte ciel, conduits d’aération, usine automobile sont autant de terrain de jeu pour ses espions désavoués devant arrêter un terroriste russe menaçant la paix mondiale comme au bon vieux temps de la guerre froide des meilleurs James Bond.

Sa mise en scène, débarrassée des fioritures stylistiques du second épisode où l’abus de ralentis et les autocitations pouvaient lasser sur la durée, bien plus précise en terme de découpage que le troisième opus, exploite formidablement les décors comme le talent de ses acteurs.

Léa Seydoux en méchante glaciale y affronte la sculpturale Paula Patton dans une chambre d’hôtel pendant que le très hype Jeremy Renner convainc totalement en analyste mystérieux. Associé au gouailleur Simon Pegg, Tom Cruise fait montre de nombreux talents d’équilibriste pour propulser Mission : Impossible - Protocole fantôme vers les sommets du film d’action high-tech.

Hara-Kiri : mort d'un samouraï

2011-12-01T06:26:00.000-08:00

Un samouraï est bien décidé à venger la mort de son beau-fils...

Film présenté en compétition officielle au 64ème Festival International de Cannes

Remake du film de Masaki Kobayashi, Hara-Kiri : mort d'un samouraï voit le réalisateur barré et provocateur Takashi Miike, auteurs de films étranges ou survoltés comme Visitor Q ou Dead or alive proposer un film classique de samouraïs où les 2/3 du récit sont consacrés au récit d'une tragédie familiale où la pauvreté provoque la mort d'une grande partie d'une famille modeste.

Le découpage simple, le jeu en retenue des comédiens, le ton relativement apaisé contrastent avec la folie dérangeante de Audition ou la barbarie provocatrice de Crows Zero. Excepté une scène éprouvante de sacrifice rituel au sabre en bambou, le récit privilégie la description des émotions humaines aux actes d'ultra-violence, Miike adoptant un point de vue plein de compassion pour la souffrance de ses personnages.

La technologie 3D, très sobre jusqu'à l'épilogue, amplifie l'intensité dramatique de l'affrontement final où, sous un fin rideau neigeux, le personnage principal entend, dans la tradition du genre, régler ses comptes et laver l'honneur de sa famille outragée.

Le choix d'une épure et d'une certaine solennité dans la façon de raconter l'histoire confère à ce nouveau film de Takashi Miike une certaine beauté funèbre.

MAJ : le distributeur Rezo Films n'exploitera pas le film en 3D pour sa sortie française

Le complexe du castor en vidéo

2011-10-20T12:16:00.000-07:00

L'attachant Le complexe du castor de et avec Jodie Foster et un étonnant Mel Gibson est désormais disponible en dvd et blu-ray chez M6 Interactions.

Au programme de l'édition HD :

"Everything is Going to Be O.K." : making of (HD - 12'08" - VOST)/2 scènes coupées avec commentaire audio optionnel (VOST) de Jodie Foster (HD - 1'51" + 2'57" - VOST/Commentaires audio de Jodie Foster (VOST)/"I'm Alive" : clip campagne d'aide aux dépressifs (HD - 2'18" - VOST/Conférence de presse de Jodie Foster et Kyle Killen au Festival de Cannes 2011 (14'50" - VO traduite)

Ma critique du film est à lire ICI

X-Men: Le Commencement / Matthew Vaughn

2011-10-19T08:44:00.000-07:00

Avant que les mutants n’aient révélé leur existence au monde, et avant que Charles Xavier et Erik Lehnsherr ne deviennent le Professeur X et Magneto, ils n’étaient encore que deux jeunes hommes découvrant leurs pouvoirs pour la première fois. Avant de devenir les pires ennemis, ils étaient encore amis, et travaillaient avec d’autres mutants pour empêcher la destruction du monde, l’Armageddon. Au cours de cette opération, le conflit naissant entre les deux hommes s’accentua, et la guerre éternelle entre la Confrérie de Magneto et les X-Men du Professeur X éclata…
X-Men : le commencement nous entraîne aux origines de la saga X-Men, révélant une histoire secrète autour des événements majeurs du XXe siècle.

Le prequel de la saga X-Men, X-Men : Le commencement (X-Men First Class) réalisé par Matthew Vaughn est désormais disponible en blu-ray en édition combo ( Blu-ray + DVD + Copie digitale) chez l'éditeur FPE.

Mon avis sur le film

Après un troisième épisode de facture nettement inférieure aux deux premiers volets réalisés par Bryan Singer, la nécessité de rebooter la saga des X-Men était pressante. La tâche a été confiée à l'anglais Matthew Vaughn à qui l'on doit le jubilatoire Kick-Ass où la mythologie du super-héros était triturée entre humour irrévérencieux et actions violentes.

Ce retour aux sources des héros Marvel s'accompagne d'une nouvelle esthétique, l'intrigue se situant fin des années 60 en pleine guerre froide. L’ambiance rétro, pop et classe où les références à James Bond se multiplient avec bonheur, des costumes à la panoplie du méchant en passant par la menace soviétique, s’accommode bien d’un déluge d’effets spéciaux pour illustrer la lutte entre mutants puis entre mutants et humains qui culmine lors du spectaculaire blocus de Cuba.

Le récit, bien construit, approfondit l’histoire d’amitié entre Charles Xavier/ProfesseurX et Erick/Magneto et introduit divers personnages pour traiter de thèmes, déjà développés dans les films de Singer, comme l’exclusion, la dualité présente en l’homme avec références à des figures mythologiques comme Frankenstein ou Dr Jekyll et Mr Hyde.

Vaughn n’oublie pas d’injecter de l’humour à base de situations décalées (le recrutement des nouveaux mutants par exemple) ou des cameos (apparitions irrésistibles de Hugh Jackman et Rebecca Romijn) dans ces aventures spectaculaires et divertissantes.

Avec sa mise en scène punchy et décomplexée, son casting hype (Michael Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Rose Byrne), Vaughn fait de ce X-Men First class un chapitre parmi les plus réussis des aventures des super-héros Marvel.

The artist / Michel Hazanavicius

2011-10-13T13:00:00.000-07:00

Hollywood 1927. George Valentin est une vedette du cinéma muet à qui tout sourit. L'arrivée des films parlants va le faire sombrer dans l'oubli. Peppy Miller, jeune figurante, va elle, être propulsée au firmament des stars. Ce film raconte l'histoire de leurs destins croisés, ou comment la célébrité, l'orgueil et l'argent peuvent être autant d'obstacles à leur histoire d'amour.

L’équipe de OSS117 s’est reformée pour un projet audacieux : un film muet en n&b sur une star du muet déchue. On connaissait la prédisposition de l’acteur Jean Dujardin pour le burlesque et le mime comme le talent de mise en scène de Serge Hazanivicius pour récréer avec jubilation des univers cinématographiques passés de mode.

Leur nouvelle association fonctionne à merveille : hommage brillant (photo et réalisation de grande classe) et émouvant (emploi d’une autre narration basée sur le langage du corps pour créer de l’émotion) au cinéma, à une période magique de Hollywood, porté par un acteur sensationnel, The artist réussit haut la main son pari audacieux de dépoussiérer et rendre accessible au public contemporain un genre oublié.

On ressort de ce mélo magique, comme on en fait plus, le cœur léger. Jean Dujardin a remporté un Prix d'interprétation amplement mérité au 64ème festival de Cannes pour son interprétation incroyable de George Valentin.

Drive / Nicolas Winding Refn

2011-09-29T02:30:00.000-07:00

Un cascadeur tranquille et anonyme se métamorphose dès que la nuit tombe : il devient pilote de voitures pour le compte de la mafia. La combine est bien rodée jusqu’au jour où l'un des casses tourne mal et l’entraîne dans une course-poursuite infernale. Il veut se venger de ceux qui l’ont trahi…

Nicolas Winding Refn, le cinéaste danois dont la cote ne cesse de monter depuis les impressionnants Bronson et Valhalla Rising, s’est vu confier l'adaptation d’un récit policier de James Sallis.

Héros taiseux, hold-up foireux, mafieux énervés, règlement de compte sanglant, Drive présente tous les ingrédients du bon film policier, tendance vintage avec une excellente b.o pop années 80. Fern confirme avec le personnage du Driver son attachement pour les héros jusqu’au-boutiste et son attrait pour les éclairs d’ultra-violence.

Ryan Gosling amène à ce Driver solitaire et peu causant, à mi-chemin entre Franck Bullitt et le Joseph Costello du Samouraï, une profondeur inespérée grâce à son jeu intense où derrière une attitude détachée se dissimule une sensibilité et une générosité envers sa jeune voisine (Carey Mulligan) et sa famille qui pourrait lui coûter cher. De même Refn transcende une histoire classique de vengeance avec une maestria visuelle qui rend chaque séquence d’action mémorable (voir celle étonnante de l’ascenseur).

Avec ses allures de série B sophistiquée, Drive a assurément détonné dans le reste de la compétition du 64ème festival de Cannes. Il y a d'ailleurs remporté un très mérité Prix de la mise en scène.

Le nouveau film de sf de Ducan Jones est disponible en vidéo

2011-09-11T09:37:00.000-07:00

Le second film de Ducan Jones, Source code, est désormais disponible en DVD & blu-ray.

Ce très recommendable film de sf interprété par Jake Gyllenhall a enregistré un joli succès salles en France avec 700 000 entrées.

Au programme des suppléments des deux éditions M6 VIDEO :
Commentaire audio de Duncan Jones, Jake Gyllenhaal et Ben Ripley (VOST)
Interviews de l'équipe du film : 11 modules (HD - 35'59" - VOST)
"Quand la réalité dépasse la fiction" : 5 modules (HD - 6'50" - VOST)

Ma critique de Source code est à lire ICI

Cowboys & Envahisseurs / Jon Favreau

2011-08-29T03:55:00.000-07:00

Arizona, 1873. Un homme qui a perdu tout souvenir de son passé se retrouve à Absolution, petite ville austère perdue en plein désert. Le seul indice relatif à son histoire est un mystérieux bracelet qui enserre son poignet. Alors que la ville est sous l’emprise du terrible colonel Dolarhyde, les habitants d’Absolution vont être confrontés à une menace bien plus inquiétante, venue d’ailleurs...

Avec son high concept détonnant (un western avec des aliens), son duo de stars charismatiques (Daniel"James Bond"Craid meet Harrison"Indiana Jones"Ford), un réalisateur in (Iron Man 1 & 2) et un wonder boy (Steven Spielberg) à la production, Cowboys & Aliens (en vf Cowboys & Envahisseurs) a de solides atouts pour être le blockbuster de l'été 2011.

Le mélange de western et de science-fiction prend agréablement, la beauté des paysages du Nouveau-Mexique et l'efficacité des effets spéciaux dûs à ILM agissant de concert pour un plaisir jubilatoire entretenue depuis le premier face-à-face entre Craig et Ford.

Si le dernier tiers est un peu faiblard en raison de quelques incohérences scénaristiques et d'un certain manque d'inspiration quand des indiens sont convoqués dans la bataille finale pour dégommer un max d'aliens comme dans un jeu vidéo, ce western du 3ème type offre sufisamment de grands moments d'action décomplexée et de savoureux numéros d'acteur (Daniel Craig en pistolero amnésique, Ford en rude propriétaire terrien et Sam Rockwell en doc valeureux) pour s'imposer comme le blockbuster le plus fun de cet été.

This must be the place / Paolo Sorrentino

2011-08-23T23:31:00.000-07:00

Cheyenne est une ancienne star du rock. A 50 ans, il a conservé un look gothique, et vit de ses rentes à Dublin. La mort de son père, avec lequel il avait coupé les ponts, le ramène à New York. Il décide de poursuivre, à travers l'Amérique, la vengeance qui hantait son père.

Paolo Sorrentino, de retour dans la compétition caanoise après Il Divo, Prix du Jury en 2008, propose avec This must be the place l'intrigue la plus étrange de la sélection : Sean Penn y incarne un rocker gothique sur le retour qui entreprend à la mort de son père la recherche à travers les Etats-Unis d'un ancien nazi afin de donner un sens à sa vie.

Après avoir posé le cadre irlandais du quotidien dépressif de la rock-star entre parties de pelote avec sa femme (Frances Mc Dormand amusante en pompier volontaire) dans sa piscine vide et déjeuners au centre commercial en compagnie d'une ami aussi torturée que lui, Paolo Sorrentino lance ce dernier sur les routes américaines pour une quête peu commune.

Inspirée par Paris Texas (hommage dans le film à Harry Dean Stanton le temps d'une courte scène) et Une histoire vraie, cette seconde partie en forme de road movie multiplie les rencontres insolites et attendrissantes jusqu'à la fin du voyage. Néanmoins cette succession de tranches de vie ne forme pas une aventure humaine vraiment mémorable pour qui a déjà goûté à ce sous-genre cinématographique. De plus la morale de l'histoire n'est pas amenée avec subtilité.

L'originalité du sujet, la sympathique b.o composée par David Byrne et la composition étonnante de Sean Penn en clone de Robert Smith (look de corbeau maquillage inclus, démarche trainante, voix chevrotante) valent néanmoins de s'embarquer dans cette quête personnelle.

La piel que habito / Pedro Almodovar

2011-08-22T01:43:00.000-07:00

Depuis que sa femme a été victime de brûlures dans un accident de voiture, le docteur Robert Ledgard, éminent chirurgien esthétique, se consacre à la création d’une nouvelle peau, grâce à laquelle il aurait pu sauver son épouse. Douze ans après le drame, il réussit dans son laboratoire privé à cultiver cette peau : sensible aux caresses, elle constitue néanmoins une véritable cuirasse contre toute agression, tant externe qu’interne, dont est victime l’organe le plus étendu de notre corps. Pour y parvenir, le chirurgien a recours aux possibilités qu’offre la thérapie cellulaire. Outre les années de recherche et d’expérimentation, il faut aussi à Robert une femme cobaye, un complice et une absence totale de scrupules. Les scrupules ne l’ont jamais étouffé, il en est tout simplement dénué. Marilia, la femme qui s’est occupée de Robert depuis le jour où il est né, est la plus fidèle des complices. Quant à la femme cobaye…

Après avoir débuté avec une série de comédies pop puis enchainé les mélodrames flamboyants, le cinéma de Pedro Almodovar explore depuis Les étreintes brisés le genre du thriller dont cette adaptation d’un texte de Thierry Jonquet intitulé Mygale révèle un parfum vénéneux et un vertige troublant.

En prenant pour personnage principal un Dr Frankenstein moderne dont les expériences de transgénèse le conduisent à créer un substitut à la peau humaine grâce à un cobaye humain, La piel que habito renvoie par son atmosphère oppressante et ses révélations troublantes aux Yeux sans visage de Franju comme aux films noirs de Fritz Lang des années 40.

Ce créateur dégénéré, privé d’émotions comme la compassion envers la souffrance d’autrui depuis qu’une série de drames familiaux l’a profondément affecté, s’oppose au personnage d’Elena dont la capacité de survie, la force intérieure font d’elle une héroïne forte parmi les plus réussies du cinéma d’Almodovar.

La qualité du script jusqu'à un twist implacable, la froideur malfaisante du personnage de Antonio Banderas (très convaincant) de retour 20 ans après dans l’univers de l’acclamé cinéaste madrilène assure à La piel que habito une tension dramatique entretenue par une mise en scène d’une grande précision.

Mélancholia / Lars Von Trier

2011-08-15T02:47:00.000-07:00

Une planète nommée Melancholia se dirige droit vers la Terre et menace d'entrer en collision avec elle...

Le danois Lars Von Trier qui n’a jamais caché ses humeurs dépressives comme moteur de la création (Antichrist a ainsi été conçu en réaction à une profonde crise personnelle) fait de cet état de spleen la matière de ce nouveau film mettant en scène deux sœurs réunies pour le mariage de la plus jeune sur fond de menace d’apocalypse.

Alors que le mariage arrangé par l’aînée est censé couler de source et être inoubliable, des tensions familiales à base de problèmes de communication entre les parents et la mariée conjuguées au trouble profond perceptible chez cette dernière en proie des démons intérieurs dévorants, tirent cet évènement vers le fiasco et l’implosion. Un clash familial couve alors qu’une autre catastrophe cette fois-ci planétaire se prépare : la planète Mélancholia se dirige dangereusement vers la Terre.

Le découpage du récit en 2 parties, plutôt sobre pour une fois, se concentre tout d’abord sur le personnage de Justine (incroyable Kirsten Dunst dans un des ses meilleurs rôles), ses états d’âmes polluant son bonheur lors du mariage puis sur celui de Claire épaulant sa sœur tant bien que mal à la suite de cet échec sentimental. Au fur et à mesure que le danger se précise toutes deux envisagent différemment la fin du monde selon leur sensibilité : Justine résignée, déjà morte, pense que la Terre ne manquera à personne, Claire consciente de ce qu’elle va perdre (une famille heureuse, un cadre de vie idyllique) panique.

Lars Von Trier influencé par le romantisme allemand et Wagner livre des séquences picturales très impressionnantes intégrées à une histoire de famille bancale avec douleurs rentrées et folie rampante où l’interprétation de Charlotte Gainsbourg et de Kirsten Dunst bouleverse jusqu’à un dernier plan parmi les plus déchirants vus dans un film apocalyptique.

Le réalisateur déjà palmé pour Dancer in the dark livre avec Mélancholia une de ses plus réussites, un film puissant, visuellement très abouti comme implacable sur le plan dramatique.

The Murderer / Hong-jin Ha

2011-07-18T01:09:00.000-07:00

Yanji, ville chinoise de la Préfecture de Yanbian, coincée entre la Corée du Nord et la Russie, où vivent quelques 800 000 Sino-coréens surnommés les «Joseon-Jok.» 50% de cette population vit d’activités illégales. Gu-nam, chauffeur de taxi, y mène une vie misérable. Depuis six mois, il est sans nouvelles de sa femme, partie en Corée du Sud pour chercher du travail. Myun, un parrain local, lui propose de l’aider à passer en Corée pour retrouver sa femme et même de rembourser ses dettes de jeu. En contrepartie il devra simplement… y assassiner un inconnu. Mais rien ne se passera comme prévu…

Auteur du remarqué The chaser présenté au festival de Cannes en 2008, Hong-jin Na reprend les mêmes acteurs Kim Yun-seok et Kim Yun-seok en inversant les rôles (le chasseur devenant la proie et inversément) pour un polar qui à nouveau a la forme d’une implacable chasse à l’homme. Cette fois-ci la traque n’est pas circonscrite à un quartier mais s’étend de la Chine à la Corée.

Bénéficiant d’un budget confortable (8M d’euros financés en partie par la Fox) le réalisateur sud-coréen multiplie dans The murder les affrontements violents à main nus ou à l’arme blanche avec une prédilection pour le couteau de boucher ou la hachette, les carambolages automobiles et les poursuites à pied (une spécialité depuis son premier film) avec une maestria visuelle amplifiée.

La mise en scène énergique, entièrement tendue vers la captation du mouvement, de la fuite comme moyens de survie, couplée à un montage fait de The murderer un cousin coréen de la Vengeance dans la peau et de A bout portant.

S’il n’est pas exempt d’invraisemblances et d’une surenchère dans le gore et la violence qui pourrait lasser sur la durée, The murderer tient assez bien la distance (2h20 au compteur) grâce à un savoir-faire indéniable en terme de mise en scène trépidante comme d’écriture des personnages maléfiques, Kim Yun-seok dans un rôle déjà anthologique de brute rustre increvable.

(sortie le 20 juillet en salles)

Blue valentine / Derek Cianfrance

2011-06-15T02:19:00.000-07:00

A travers une galerie d’instants volés, passés ou présents, l’histoire d’un amour que l’on pensait avoir trouvé, et qui pourtant s’échappe… Dean et Cindy se remémorent les bons moments de leur histoire et se donnent encore une chance, le temps d’une nuit, pour sauver leur mariage vacillant.

Premier film, Blue Valentine est la triste histoire de la fin d’un couple très attachant interprété par les excellents Ryan Gosling et Michelle Williams.

Filmé caméra légère à la manière d’un documentaire sur un vraie couple en crise, la vie de ce jeune couple avance par flashs-back efficaces sur le plan dramatique : le début de cette liaison nous est conté à travers des situations joyeuses ou plus tristes mis justement en opposition avec leur situation actuelle.

Si les motivations du personnage joué par Michelle Williams sont parfois trop obscures, Derek Cianfrance parvient sans peine, en serrant au plus près des émotions de ses personnages, à provoquer de l’empathie pour son duo. Cru dans les étreintes passionnées comme dans la fureur des disputes conjugales, le délitement progressif de ce jeune couple marque par l'intensité de son interprétation et la mélancolie générée par sa conclusion.

Une séparation / Asghar Farhadi

2011-06-13T10:44:00.000-07:00

Lorsque sa femme le quitte, Nader engage une aide-soignante pour s'occuper de son père malade. Il ignore alors que la jeune femme est enceinte et a accepté ce travail sans l'accord de son mari, un homme psychologiquement instable…

Triplement primé à la Berlinale 2011 (Ours d'or pour le réalisateur et 2 Ours d'argent pour les 2 comédiens principaux), cette chronique iranienne d’un divorce annoncé déploie une force dramatique remarquable redevable au jeu des acteurs que la mise en scène sous tension enferme dans un enchaînement redoutable de faits tragiques, dans une spirale de malheur.

Les nombreux échanges verbaux entre les personnages constamment en train de se déchirer affectivement, de s’affronter psychologiquement, installent un climat nerveux et dramatique ne se relâchant que dans les ultimes plans où le réalisateur Asghar Farhadi dit avec une sobriété désarmante d’efficacité dramatique toute la tristesse de cette situation familiale dont les enfants sont les premières victimes.

Cette douloureuse séparation est d'une redoutable puissance émotionnelle qui emporte sans effets appuyés ni manichéisme le spectateur dans cette histoire simple à portée universelle.

The tree of life / Terrence Malick

2011-05-27T08:20:00.000-07:00

Jack grandit entre un père autoritaire et une mère aimante, qui lui donne foi en la vie. La naissance de ses deux frères l'oblige bientôt à partager cet amour inconditionnel, alors qu'il affronte l'individualisme forcené d'un père obsédé par la réussite de ses enfants. Jusqu'au jour où un tragique événement vient troubler cet équilibre précaire...

Tree of life, le tant attendu nouveau film de Terrence Malick, frappe d’emblée par sa beauté visuelle et son lyrisme enlevé pour raconter à la fois la vie d’une famille américaine dans les années 50 et la naissance de l’univers.

Ce poème empli de spiritualité est parcouru d’envolées mystiques et réflexions métaphysiques chères à son réalisateur qui ici met en parallèle la formation de l’univers et la naissance d’une famille dont le bouleversement intérieur d’un des leurs incarné par Sean Penn amène un questionnement sur le sens de la vie.

Drame intime d’un fils essayant de comprendre le comportement autoritaire de son père par opposition à la douceur de sa mère, d’un frère meurtri par la mort d’un des siens et épopée cosmique aux évènements spectaculaires se répondent dans un montage parallèle convoquant des images inédites du big-bang, l’apparition des premiers organismes unicellulaires puis des dinosaures, la fin de l’univers et des morceaux choisis de bonheur familial comme de doute existentiel.

L’expérience visuelle mêlant ballet d’étoiles, spectacle d’une nature frémissante et scènes familiales va de pair avec un voyage émotionnel où l’histoire de Jack s’inscrit dans le cycle de l’univers. Comme l’explique la mère au début du récit, dans l’univers sont à l’œuvre la nature et la grâce : d’un côté l’une est imprévisible et exigeante, l’autre n’est que bonté et ne demande rien en retour. Ces deux concepts sont représentés par le père sévère mais aimant joué par Brad Pitt et la mère douce, complice à qui la délicieuse Jessica Chastain prête ses traits.

Avec son récit éclaté plongeant le spectateur aux confins de l’espace et du temps, du Texas des années 50 à l’Amérique d’aujourd’hui où un homme cherche un sens à sa vie en se remémorant son enfance, de la création du cosmos à son extinction, The tree of life constitue une expérience cinématographique singulière dont la poésie visuelle et la puissance émotionnelle libérées par ce ballet d’images sublimes sur lesquelles des voix questionnent le sens de la vie et de la foi sont assez extraordinaires.

Le complexe du castor / Jodie Foster

2011-05-26T13:16:00.000-07:00

La vie de Walter n’est plus ce qu’elle était. Déprimé, vivant au ralenti, il s’éloigne de sa famille et de ses proches. Sa femme finit par le chasser de la maison pour le bien de leurs enfants. Touchant le fond, il s’accroche malgré lui à une marionnette de castor trouvée un soir par hasard. Par jeu ou par désespoir, il utilise cette marionnette pour extérioriser toutes les choses qu’il n’ose pas dire à sa famille et ses collègues. La marionnette devient alors comme une nouvelle personnalité, un nouveau Walter, plus positif et sûr de lui. Rapidement il reprend le contrôle de sa vie mais découvre peu à peu qu’il ne peut plus vivre sans son castor. Parviendra-t-il à se débarrasser de lui ?

Avec son héros en peluche et son acteur principal de retour sur les écrans après des soucis personnels très médiatisés, le nouveau film de la réalisatrice Jodie Foster avait de quoi intriguer.

Le thème de la dépression, central dans Le complexe du castor (The Beaver), est personnifié par le personnage incarné par Mel Gibson, un chef d’entreprise et un chef de famille largué, en plein spleen, qui, après une soirée particulièrement noire où il a été mis à la porte du domicile conjugal par sa femme lasse de le voir dans un état léthargique, invite dans sa vie un castor en peluche pour lui remonter le moral. Ce jouet en peluche va devenir un outil de survie, un moyen de mettre à distance ses démons intérieurs et peut-être devenir l’instrument de la reconquête de sa famille et de soi. Mais la présence permanente de ce double à l’étrange apparence peut dérouter son entourage et produire des effets dramatiques.

Jodie Foster examine les conséquences du comportement maladif du père sur le reste de la famille. Mel Gibson en dépressif chronique trouve ici l’un de ses meilleurs rôles, son regard désespéré et son attitude auto-destructrice provoque une émotion durable dont le paroxysme est atteint dans un dernier quart d’heure particulièrement sombre pour une comédie dramatique grand public.

Love & autres drogues / Edward Zwick

2011-05-06T13:28:00.000-07:00

New York, les années 90. Jamie est un jeune commercial redoutable dont l’assurance - et le physique avantageux - sévissent aussi bien auprès des femmes que dans l’univers implacable de l’industrie pharmaceutique où, entre antidépresseurs et dopants sexuels, il parvient finalement à tout vendre. Mais il y a une personne qui semble insensible aux charmes de Jamie : Maggie. Une jeune femme très séduisante et furieusement indépendante qui, comme Jamie, fuit l’engagement émotionnel, mais pour des raisons très différentes. Elle est atteinte d’une maladie chronique et a décidé de vivre uniquement au jour le jour.
Malgré eux, ce qui devait être une histoire sans lendemain va alors s’intensifier. Tous deux vont bientôt voir leurs principes respectifs malmenés et devenir accros à la plus puissante des drogues qui soit : l’amour.

Le réalisateur Edward Zwick, habitué des films épiques (Le dernier Samouraï, Les insurgés), s'essaie à la comédie romantique avec Love et autres drogues.

Avec en toile de fond une peinture amusante de l'industrie pharmaceutique des 90's avec le boom du Viagra, l'histoire forcément compliquée de deux jeunes personnes différentes mais complémentaires est dynamisée par l'alchimie de son couple d'acteurs charismatiques aussi à l'aise dans le registre de l'émotion que dans la séduction avec de nombreuses scènes de nudité peu courantes dans ce genre de production. Le versant mélodramatique pris dans le dernier tiers passe d'autant mieux que l'histoire crédible est rendue attachante par ce charmant duo incarné par Anne Hathaway et Jake Gyllenhaal.

Ajouter une poignée de seconds rôles réussis comme Oliver Platt ou Hank Azaria et vous obtiendrez une comédie romantique à la fois polissonne et attendrissante à laquelle il est difficile de résister.

Test blu-ray

Un master de belle facture avec une bonne définition couplé à une piste anglaise DTS-HD Master Audio 5.1 avec un mix juste et dynamique entre des dialogues bien aérés et une B.O.sympathique assurent une très bonne note technique à ce blu-ray.

Bonus

Une poignée de scènes inédites, 3 modules à base d'interviews promos des deux acteurs, du réalisateur et d'un producteur insistant sur l'alchimie et la complicité du duo Hathaway/Gyllenhaal et un court focus sur l'inspiration du personnage principal, Jamie Reidy, l'auteur de Hard Sell, un livre plein de révélations sur l'industrie pharmaceutique constituent les suppléments de cette édition combo FPE.

Voir la mer / Patrice Leconte

2011-05-03T00:27:00.000-07:00

C'est 2 frères. Qui habitent Montbard, en Bourgogne. Et qui, pour les vacances d'été, ont décidé d'aller voir leur mère à Saint Jean de Luz. Parce que ça fait longtemps. Parce que ça lui fera plaisir. Ce ne sont pas les parce que qui manquent. Ils ont trouvé un motor-home d'occasion, et vont faire la route au rythme du bitume, au gré des envies. C'est ça l'idée : une diagonale de France entre frères.
Sauf que leur tombe dessus une fille qui n'était pas prévue. Une fille attachante. Inattendue. Et qui n'a jamais vu la mer. Ils font donc la route à trois. Et tout doucement, entre désirs diffus et envies cachées, ils réalisent que d'être un trio n'empêche pas de s'aimer. Sans jalousie. Plaisirs partagés.

Après une série de comédies impersonnelles et poussives (La guerre des miss, Mon meilleur ami, Les bronzés 3), Patrice Leconte s’est attelé à un projet de facture plus modeste renouant avec l’inspiration de La fille sur le pont et de Tandem pour ce road-movie sentimental.

Triangle amoureux sous la lumière chaude de l’été, Voir la mer est centré sur trois jeunes personnages en quête d’amour, un amour finalement libre, la fille renonçant très vite à choisir entre les deux frères.

Le film, léger et lumineux, manque de substance scénaristique pour convaincre totalement mais les comédiens visiblement complices (Clément Sibony, Nicolas Giraud et Pauline Lefevre, délicieuse dans un premier rôle solaire et sensuel) apportent de la fraicheur et un enthousiasme à un cinéaste qui semble avoir retrouvé l’inspiration.

(sortie en salles le 04/05/2011)

Source code / Duncan Jones

2011-04-28T16:35:00.000-07:00

Colter Stevens se réveille en sursaut dans un train à destination de Chicago. Amnésique, il n’a aucun souvenir d’être monté dedans. Pire encore, les passagers du train se comportent avec lui avec familiarité alors qu’il ne les a jamais vus. Désorienté, il cherche à comprendre ce qui se passe mais une bombe explose tuant tout le monde à bord.
Colter se réveille alors dans un caisson étrange et découvre qu’il participe à un procédé expérimental permettant de se projeter dans le corps d’une personne et de revivre les 8 dernières minutes de sa vie. Sa mission : revivre sans cesse les quelques minutes précédant l’explosion afin d’identifier et d’arrêter les auteurs de l’attentat...

Comme dans Moon (2009), son excellent premier film de S-F injustement privé d'une sortie salles en France, il est question dans le nouveau long-métrage de Ducan Jones, Source code, d'un personnage masculin isolé dans un endroit confiné et en plein questionnement existentiel.
Ici aussi le héros se rebelle contre sa condition pour espérer changer son futur apparemment bouché. Par là se pose la question du libre arbitre (l'illusion?) et celle de l'identité, idées déjà développées dans Moon.

Ducan Jones réussit à nouveau à allier sens de l'entertainment et psychologie des personnages. On trouve ici un personnage principal complexe, attachant, isolé dans un espace inquiétant : cobaye d'un programme expérimental, il va s'attacher à éclaircir cette situation angoissante et aliénante. Se déploie en effet une double enquête : découvrir l'identité, les motivations de ces geôliers dont le QG est un mystérieux Château assiégé et démasquer l'auteur d'un attentat terroriste dans ce programme révolutionnaire qui permet les repositionnements dans le temps afin d'influer sur l'avenir, le passé ne pouvant être changé.

Source code mélange habilement des ingrédients de Un jour sans fin et de Déjà Vu : un homme est condamné à revivre les mêmes 8 minutes jusqu'à trouver le coupable d'un attentat (le côté SF ludique) et profite de cette boucle temporelle pour séduire une passagère (le versant romantique).
La répétition d'une même séquence n'est pas incompatible avec une rigoureuse progression dramatique et un certain suspense (au niveau visuel multiplication des angles et des espaces de jeu; au niveau du récit multiplication des personnages suspects et des micro-situations dramatiques) même si la découverte de l'identité du terroriste importe moins que la description de l'état psychologique du héros qui au fil de son enquête s'attache à une inconnue qu'il ne peut sauver.

Jake Gyllenhaal incarne parfaitement le tragique de la situation dans ce brillant polar existentiel qui devrait positionner Duncan Jones dans la liste des réalisateurs incontournables.

Détective Dee : Le mystère de la flamme fantôme / Tsui Hark

2011-04-20T01:05:00.000-07:00

L’histoire se déroule en Chine, en l’an 690, durant la période trouble correspondant à l’ascension de l’impératrice Wu Ze Tian.
Tout est prêt pour la cérémonie du couronnement et la petite ville de Chang-An est dans ses habits de fête. Mais une série de morts mystérieuses menace l’intronisation de Wu Ze Tian. L’impératrice décide alors de faire appel au seul homme capable de percer ce mystère : Le juge Ti, de retour après huit ans de prison pour insolence et insubordination…

Avec Détective Dee, le mystère de la flamme fantôme, Tsui Hark est de retour au premier plan après une série de projets mineurs depuis 10 ans et l’excellent Time and tide (2001) nonobstant l’efficace Seven Swords (2005).

Avant d’être mise en images par Tsui Hark, la légende du juge-détective Dee qui termina sa carrière comme chancelier de l'impératrice Wu au VIIès est connue chez nous grâce aux romans écrits par le diplomate néerlandais Robert van Gulik qui le renomma le juge Ti.

Son nouveau film à l’agréable parfum de serial offre un spectacle total en mixant le film policier, le film fantastique, le film de wu xia pian avec une maestria visuelle très jubilatoire.

Avec ses personnages bondissants, le film propose un travail très intéressant sur les lignes verticales : le plan est composé de nombreux détails (forêt de bambous, rondins de bois, champ de flèches, épées ou lances dressées dans le combat, statue géante de Boudha) disant cette volonté d’aller toujours plus haut, plus loin dans l’orchestration des scènes d’action que Tsui Hark étire un maximum pour le plus grand plaisir des amateurs de ce genre de divertissement.

On sort de l’aventure, détonnant mélange de Sherlock Holmes et Tigre et dragon, complètement groggy.

Mon père est femme de ménage / Saphia Azzeddine

2011-04-19T04:31:00.000-07:00

Polo a 16 ans et les complexes d’un ado de son âge. Entre une mère alitée et une soeur qui rêve d'être miss, le seul qui s’en sorte à ses yeux, c’est son père. Hélas, il est femme de ménage...

Adapté de son roman homonyme, Mon père est femme de ménage réalisé par Saphia Azzeddine mélange chronique adolescente et comédie sociale dans une histoire centrée sur les relations tragi-comique entre un père et son fils.

Si le duo père-fils est le pivot du récit, de nombreuses scènes mettant en scène les copains du héros façon Les beaux gosses offrent de beaux moments comiques, vannes souvent politiquement incorrectes mais reflétant de manière juste les échanges piquants tels qu’ils peuvent circuler au sein d’une bande d’ados, additionnés aux répliques savoureuses du personnage de François Cluzet. Le reste de la famille n’est pas oublié, les interventions de la mère alitée et de la sœur bimbo se rêvant miss nationale ponctuent, de manière inégale dans l’efficacité comique, cette histoire attachante quand elle se focalise sur ses deux personnages masculins.

Pour toucher un large public, ce sympathique premier film peut compter sur son duo d’acteurs complices et son histoire aux dialogues réussis s’inscrivant dans un cadre, la banlieue, envisagée ici une fois n’est pas coutume comme un espace social où la solidarité, l’amitié, l’espoir ont droit de cité au quotidien.

Rio / Carlos Saldanha

2011-04-18T05:15:00.000-07:00

Blu, un perroquet bleu d’une espèce très rare, quitte sa petite ville sous la neige et le confort de sa cage pour s’aventurer au cœur des merveilles exotiques de Rio de Janeiro. Sachant qu’il n’a jamais appris à voler, l’aventure grandiose qui l’attend au Brésil va lui faire perdre quelques plumes ! Heureusement, ses nouveaux amis hauts en couleurs sont prêts à tout pour réveiller le héros qui est en lui, et lui faire découvrir tout le sens de l’expression « prendre son envol ».

La nouvelle pépite du cinéma d’animation par les créateurs de l’Age de glace a pour nom Rio, une aventure trépidante, festive, pleine de couleurs et de musique à Rio de Janeiro où les morceaux de bravoure s’enchaînent à une cadence soutenue pour notre plus grand plaisir : rencontre amoureuse de deux aras (le personnage principal est un ara bleuté domestiqué d’un petit bled du Minnesota parachuté dans un Rio en pleine effervescence) sur fond de Lionel Richie, chorégraphie endiablée de ouistitis bling bling, survol à haut risque de la baie de Rio, poursuite effrénée dans les ruelles des favelas le tout sur fond de carneval.

Rio constitue une prouesse technique assez impressionnante (pour chaque plan un travail remarquable sur les textures, les mouvements, les couleurs rehaussé par une 3D particulièrement efficace) en même temps qu’une belle histoire sur la liberté, l’amitié.

Ce film planant et euphorisant est sans doute une des plus belles réussites artistiques du studio Blue sky à voir par toute la famille.

D'un film à l'autre / Claude Lelouch

2011-04-17T05:19:00.000-07:00

Un documentaire retraçant toute la filmographie de Claude Lelouch. Pour les 50 ans des Films 13, le cinéaste y dresse un bilan de sa carrière, assumant échecs et succès, et y montre des images inédites...

Produit par Claude Lelouch pour l’anniversaire des 50 ans de sa société Les Films 13, D’un film à l’autre est un documentaire rétrospectif sur sa carrière : mélange d'extraits de films, d’interviews d’images de tournage agrémenté d’une voix-off en fil rouge, ce bilan-confession passe en revue un demi-siècle de cinéma, le cinéma d’un artiste amoureux des acteurs à la carrière atypique.

Si le film n’est pas exempt de complaisance, écueil par essence de ce genre d’exercice qu'est l’autobiographie (introduction très étirée sur un « exploit » sportif du cinéaste dans les rues de Paris, mise en avant des prix gagnés et de la pléïade des acteurs ayant participé à ses films,) force est de reconnaître que Lelouch n'hésite pas à recourir à l’autocritique, évoquant ses échecs, ses coups de blues après les échecs commerciaux d’une partie de sa filmo. En effet il n’hésite pas à parler du succès planétaire de Un homme et une femme comme de la mauvaise réception de sa suite 20 ans après. Cinéaste inspiré par l’Amour et les acteurs, Lelouch n’aura de cesse de multiplier les projets de différentes ampleurs sur les hasards et les conséquences de la vie, la ronde des sentiments avec une exaltation et une envie de cinéma patentes pour le meilleur et pour le pire.

Si certaines images d’archives comme celles émouvantes montrant Patrick Dewere sur le plateau de Edith et Marcel et certaines informations ne manquent pas d’intérêt, on pourra regretter que le documentaire soit avare en interventions d’acteurs et en infos techniques pour développer la méthode Lelouch, le doc in fine ressemblant à un collage d’extraits et images making-of avec commentaire audio en supplément. Les fans apprécieront, les autres risquent de juger le projet complaisant et vain.

Young guns / Christopher Cain

2011-04-12T10:35:00.000-07:00

Dans l’Ouest américain, un éleveur recueille de jeunes marginaux, pour la plupart des as du pistolet, pour l’aider à travailler à son ranch. Mais l’éleveur va être assassiné, et ses amis veulent le venger. Très vite, ils tombent dans l’illégalité. L’un d’eux n’est autre que William Bonney - alias le célèbre Billy le Kid…

Sorti en 1988, le western Young guns jouait sur son casting jeune (Kiefer Sutherland, Charlie Sheen, Emilio Estevez) tout autant que sa réalisation tonique à la sauce MTV pour plaire à un maximum de public.
Si le casting auquel s'ajoutent les cadors Terence Stamp et James Coburn offre un capital sympathie indéniable le récit patine souvent (les moments de comédie s'intercalent mal entre les situations dramatiques) et la réalisation s'avère trop imprécise dans l'orchestration des scènes d'action où la gestion de l'espace est très laborieuse.
Les plus nostalgiques devraient néanmoins prendre du plaisir face aux aventures rocambolesques, basées sur des faits réels, de la bande de Billy le Kid.

Test DVD
Cette édition remasterisée propose une image très acceptable en terme de piqué. Au niveau de l'étalonnage, le rendu des contrastes et de la colorimétrie est également satisfaisant pour une image SD.
La piste vo est particulièrement dynamique avec de nombreux effets percutants (coups de feu, bruits de sabot, éléments déchaînés).

En bonus le disque propose un documentaire sur le véritable Billy the Kid.

Chronique réalisée grâce à un partenariat avec Cinetrafic.fr où vous pouvez retrouver cette critique et d'autres infos liées au film (http://www.cinetrafic.fr/film/15780/young-guns).
Egalement sur le site une page dédiée aux films d'action comique (http://www.cinetrafic.fr/liste-film/2293/1/le-film-d-action-comique).

Dècès de Sidney Lumet

2011-04-10T11:17:00.000-07:00

Le réalisateur Sidney Lumet vient de nous quitter ce samedi 09 avril, à l'âge de 86 ans, des suites d'un cancer.

Après avoir débuté au cinéma avec 12 hommes en colère, il signera des films inspirés par la télévision comme Le gang Anderson (1971) ou Network (1977) et une remarquable liste de films policiers devenus des classiques comme Serpico (1974), Un après-midi de chien (1976) et Le prince de New-York (1982).

Les plus grands se sont succédés devant sa caméra : Marlon Brando (L'homme a la peau de serpent, 1959), Al Pacino (Serpico, Un après-midi de chien), Paul Newman (Le verdict, 1983), River Phoenix (A bout de course, 1988), Sean Connery et Dustin Hoffman (Family business, 1989).

Récemment Sidney Lumet avait réalisé la comédie Jugez-moi coupable (2006) et le drame 7h58 ce samedi-là (2007) dont vous pouvez lire ma critique ICI

The Verdict / Sidney Lumet

2011-04-10T09:19:00.000-07:00

Avocat déchu et alcoolique, Frank Galvin racole ses clients dans les salons funéraires jusqu'au jour où il accepte de travailler sur l'affaire d'une jeune femme victime d'une erreur médicale et plongée dans le coma. Ce dossier qui risque de provoquer un scandale et de nuire à la réputation de l'hôpital, va être pour l'avocat l'occasion de retrouver sa dignité... ou de la perdre définitivement.

The Verdict (1983) est un sommet dans la carrière du grand Sidney Lumet, atteint avec la complicité de Paul Newman qui a sans doute trouvé là son meilleur rôle. Nominé aux Oscars pour son interprétation de Franck Galvin, le comédien décrochera finalement la statuette, après huit nominations, grâce à un autre maître, Martin Scorsese qu’il fit tourner dans La couleur de l’argent (1987).

Avocat déchu après une affaire de corruption de juré pour laquelle il fut injustement incarcéré, Franck Galvin est au début du récit un être torturé par ses échecs noyant son spleen dans l’alcool. "Suiveur d’ambulances", il s’incruste, sans succès, dans les veillées funéraires pour proposer ses services aux familles endeuillées. Jusqu’au jour où la sœur d’une jeune femme victime d’une erreur médicale vient frapper à sa porte. Cette affaire miraculeuse lui permettrait de se relancer et d’effacer ses échecs.

The Verdict est avant d’être un film de procès passionnant l’histoire d’une rédemption, d’une renaissance. Au plus bas, sur la voie de la déchéance, Franck, en acceptant de représenter cette cliente dans le coma, va "changer de vie aujourd’hui " comme il l’annonce au personnage énigmatique de Charlotte Rampling. Il espère ainsi retrouver sa dignité comme venger celle de sa cliente bafouée par deux médecins réputés de l’hôpital Ste Catherine lié à l’archevêché de Boston. Emu par le sort de la jeune femme il va refuser l’arrangement juteux proposé par l’archevêché pour aller au procès et défendre l’honneur de sa cliente…comme le sien. Lumet a l’intelligence de laisser planer le doute au début sur les motivations de son personnage principal en souffrance : qui de l’orgueil ou de l’empathie dicte vraiment ses choix.

Aidé de son ami et mentor, Franck s’engage dans une bataille juridique contre une armada d’avocats, menés par le glacial James Mason, au service de l’archevêché. Avec cette affaire Franck entend donner justice aux faibles écrasés par les forts, les puissants incarnés par l'archevêché et sa cohorte d'avocats et par extension le système judiciaire.
The Verdict narre la lutte d’un homme contre ses démons comme la lutte de David contre Goliath, de l’indépendance contre le corporatisme avec une progression dramatique maîtrisée.

De Douze Hommes en colères (1957) jusqu’à Jugez-moi coupable (2006) Sidney Lumet s’est fait un spécialiste du film de procès. The Verdict est à cet égard une réussite incontestable : quête effrénée de témoins, preuves cruciales non recevables, trahisons amicales, le récit est porteur d’une tension dramatique qui ne se relâche jamais jusqu’au verdict attendu avec fébrilité. Les scènes de plaidoiries sont d’autant plus prenantes que le portrait du personnage principal est fort et attachant.

Dans The Verdict Paul Newman que Lumet place souvent à l’image, à la manière du Carravage, dans une lumière en clair-oscur pour traduire son état délité, offre une large palette d’émotions au service d’un rôle qui restera comme un de ses plus marquants, celui qui a faconné sa légende avec Luke Jackson, Butch Cassidy ou bien encore « Fast » Eddie Nelson.

Le Verdict est disponible en DVD zone 2 dans une édition comprenant un commentaire audio intéressant de Sidney Lumet (en VOST) et un court documentaire réalisé à l’époque de la sortie du film, dans lequel Paul Newman intervient.

Le nom des gens en DVD

2011-04-06T10:59:00.000-07:00

La sympathique comédie Le nom des gens de Michel Leclerc est disponible en DVD depuis le 06 avril chez TF1 Vidéo.

Couronné par deux César (meilleur actrice pour Sara Forestier, meilleur scénario), Le nom des gens a attiré en salles près de 800000 spectateurs.

Ma critique du film est à lire ICI

L'homme qui voulait vivre sa vie / Eric Lartigau

2011-03-30T10:50:00.000-07:00

Paul Exben a tout pour être heureux : une belle situation professionnelle, une femme et deux enfants magnifiques. Sauf que cette vie n'est pas celle dont il rêvait. Un coup de folie va faire basculer son existence, l'amenant à endosser une nouvelle identité qui va lui permettre de vivre sa vie.

D’après un roman de Douglas Kennedy, L’homme qui voulait vivre sa vie offre au réalisateur Eric Lartigau sa première incursion dans le registre du thriller existentiel après trois comédies dont le sympathique Prête-moi ta main.

Porté par un épatant Romain Duris de tous les plans, le récit se divise en deux parties articulées autour du parcours du personnage de Duris : un drame conjugal à Paris puis un road movie existentiel du côté du Monténégro. Lartigau illustre avec application les thématiques chères à Kennedy comme la question de l’identité, l’imprévisibilité de la vie. Si la seconde partie manque un peu de rythme mais il est vrai que les choix d’adaptation ne manquent pas d’audace narrative, l’ensemble séduit par la composition intense de Duris et le soin apporté à l’image : des beaux quartiers aux paysages du Monténégro la fuite en avant et le parcours intérieur de cet homme en crise ne peuvent laisser indifférent jusqu’à un épilogue assez surprenant.

Test blu-ray

Technique

Le transfert Blu-ray comme souvent chez l'éditeur est soigné avec des images très détaillés, une colorimétrie riche et un léger grain cinéma respecté. On notera toutefois des noirs parfois trop prononcés. Le travail notable sur le cadre se voit ainsi magnifié par ce transfert HD de belle facture.

La piste en DTS HD Master Audio 5.1 offre des dialogues très clairs et une partition musicale bien aérée.

Bonus

Débutons par un bon making-of qui a la forme d'un carnet de voyage où une petite caméra s'infiltre dans l'équipe pour montrer en toute simplicité et vérité le quotidien du tournage (HD, 47 minutes).

L'interview de Douglas Kennedy et du réalisateur Eric Lartigau (SD, 6 minutes) se focalise sur les thèmes de l'histoire et les choix des acteurs.

La rencontre, proposée par Laurent Weil, avec le réalisateur et les acteurs Romain Duris et Marina Foïs (HD, 20 minutes) permet d'approfondir sensiblement les informations données dans le module précédent : les intervenants, décontractés, reviennent sur l'écriture, l'expérience du tournage.

Enfin plusieurs galeries (photos, projets d'affiches, storyboards) et un module interactif assez ludique sur le développement photo complètent cette édition FPE.

La bande annonce de Minuit à Paris

2011-03-29T10:59:00.000-07:00

Après le dévoilement de sa belle affiche la première bande-annonce de Minuit à Paris est enfin visible.

Une famille se rend à Paris pour affaires. Parmi ses membres : un couple récemment fiancé, qui se rend compte que leur vie ne sera pas meilleure...

Cette histoire de famille américaine se rendant à Paris pour affaires réunira Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Michael Sheen, Adrien Brody, Kathy Bates et Carla Bruni.

Le nouveau film de Woody Allen sera présenté en ouverture du prochain festival de Cannes et sortira en salles dans la foulée le 16 mai 2011.

L'avant-dernier film du réalisateur new-yorkais, Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu (critique ICI), sera disponible en DVD & Blu-ray chez Warner le 30 mars prochain.

Midnight in Paris (2011) - Official Trailer

Le 23ème James Bond en tournage en novembre

2011-03-29T10:54:00.000-07:00

Judi Dench a révéle récemment au Sunday Express que le 23ème James Bond se tournera à partir de novembre prochain : "Je vais faire le prochain Bond en novembre," déclara-t-elle. "Je ne connais pas encore le lieu du tournage."

Dans ce nouvel opus Judi Dench reprendra son rôle de M aux côtés de Daniel Craig.

Ralph Fiennes et Javier Bardem sont pressentis pour des rôles de méchants.

Sam Mendes réalisera ce 23ème James Bond prévu dans les salles en novembre 2012.

Ma critique du 22ème James Bond, Quantum of solace, est à lire ICI

L'agence / George Nolfi

2011-03-28T02:45:00.000-07:00

Sommes-nous maîtres de notre destin ? Ou sommes-nous manipulés par des forces invisibles ? David Norris entrevoit l'avenir que le Sort lui réserve et se rend compte qu'il aspire à une autre vie que celle qui lui a été tracée. Pour y parvenir, il va devoir poursuivre la femme, dont il est tombé follement amoureux, à travers les rues de New York et ses réseaux souterrains...

Pour sa premier long-métrage le scénariste de La Vengeance dans la peau George Nolfi a adapté une nouvelle du maître de la s-f Philip K.Dick avec une volonté de proposer une fable romantique grand public avec Matt Damon.

Sur une toile de fond de thriller d'anticipation où les effets spéciaux se font relativement discrets le réalisateur se focalise sur une histoire d'amour contrariée par le Destin qui a la forme d'une cavalcade amoureuse dans les rues de N-Y où le couple interprété par Emily Blunt et Matt Damon lutte contre une mystérieuse organisation pour écrire leur histoire.

Une fois l’argument fantastique (l’Agence veille depuis des siècles à la bonne application du plan choisi pour chacun par le Grand Patron) et certains choix visuels comme le look rétro très Mad Men des membres de l’Agence assimilés, le parcours dramatique et les émotions traversés par le personnage de Damon devraient interpeller chacun.

L’acteur, très convaincant, une fois n’est pas coutume en héros romantique, nous embarque dans cette aventure passionnelle où il devra braver son destin et faire des choix dramatiques impliquant l’idée du libre-arbitre pour retenir son Amour (Emily Blunt dont le personnage est un peu fade passé le premier tiers).

L’agence, étrange et original croisement entre le récit amoureux à la Capra et le film d’action paranoïaque à la Minority Report ou Matrix (belle exploitation ludique des décors urbains avec multiplication de portes/passages ouvrant vers une autre réalité), séduit agréablement en laissant l’histoire romantique et les sentiments amoureux prendre le pas sur tout discours pompeux sur le déterminisme et le libre-arbitre potentiellement rehaussé par une avalanche d’effets spéciaux sous lesquels on pouvait craindre que se dilue ce genre de film hollywoodien.

Unstoppable / Tony Scott

2011-03-24T14:38:00.000-07:00

Un ingénieur et un chauffeur vivent une véritable course contre la montre. Les deux hommes tentent de stopper un train qui transporte des produits toxiques avant que celui-ci ne déraille et répande une flaque toxique qui décimera la ville complète.

Après un avion de chasse (Top gun, 1986), un bolide du Nascar (Jours de tonnerre, 1990) ou plus récemment une rame de métro (L'attaque du métro 123, 2009), Tony Scott fait d’une puissante machine l’un des personnages principal de son nouveau film d’action, un train fou dans Unstoppable.

Inspiré de faits réels, Unstoppable raconte l’alliance de deux personnes aux tempéraments différents pour surmonter une situation de crise, en l’occurrence un train avec une cargaison toxique lancé à toute vitesse dans la région de Pennsylvanie.

Selon sa volonté de filmer avec le plus de réalisme possible, Scott privilégie les cascades en live dans des paysages naturels, une région industrielle où évoluent ces deux personnages principaux campés par Denzel Washington et Chris Pine. Cette recherche d’authenticité s’accompagne d’une mise en scène moins frénétique qu’à l’accoutumée, les effets visuels (filtres, ralentis) chers au réalisateur étant en retrait par rapport à l’histoire intense de ces individus lambdas luttant pour sauver leur région. Le montage épileptique de Domino (2005) ou de L’attaque du métro 123 employé pour masquer la vacuité du scénario et le manque de consistance des personnages n’est heureusement pas ici à l’œuvre, le récit basé sur une histoire vraie étant assez édifiant et ses protagonistes attachants pour livrer un bon film d’action à l’ancienne avec un maximum d’effets en live où le spectateur se sente impliqué. La course contre la montre est menée en effet tambour battant, les péripéties s’enchainant avec générosité durant 100 minutes sous haute tension.

Avec Unstoppable Tony Scott a trouvé un bon script relayé par une mise en scène efficace qui rend ce voyage en train palpitant.

Test blu-ray

Technique

Le transfert très précis offre moults détails dans les plans larges comme dans les gros plans.

La piste vo bien plus dynamique que la vf déploie sa puissance sur les enceintes arrières comme dans les basses.

Bonus

Tony Scott s'explique avec volubilité sur ses choix artistiques, sa façon de filmer dans son commentaire audio.

Le making-of Réaliser Unstoppable (31') se focalise tout d'abord sur le développement du scénario, le parti-pris de mise en scène de Tony Scott (filmer avec le plus de réalisme possible) avant de donner la parole à différents intervenants de l'équipe (acteurs, réalisateur, producteurs mais aussi chef opérateur, concepteur des décors, pilotes). L'impressionnante logistique déployée sur le plateau est au service d'un "cinéaste cinétique" (selon les propos de Chris Pine) qui, habitué à travailler avec la même équipe depuis 20 ans, s'est lancé comme défi de recourir aux cascades en live au lieu d'utiliser les images de synthèse et les fonds verts.

Les modules Anatomie d'une scène - le déraillement (10min) et Les cascades (14min) prolongent le documentaire précédent en proposant des images spectaculaires du tournage des principales séquences d'action du film dont celle de l'incroyable déraillement qui a notamment mobilisé la bagatelle de 14 caméras et un train de 1/2 tonne.

Sur les rails avec le réalisateur et les acteurs (13min) est une discussion pleine d'auto-satisfaction entre Tony Scott, Denzel Washington, Chris Pine et Rosario Dawson. Au gré des propos laudatifs relatant l'expérience du tournage on y apprend que Tony a utilisé des caméras CANON 5D ainsi que des objectifs de la NASA montés sur des caméras héliportés.

Cette édition combo (blu-ray, DVD, copie digitale), irréprochable sur le plan technique et dotée d'un bon making-of, est proposée par FPE.

Route Irish / Ken Loach

2011-03-21T14:16:00.000-07:00

En septembre 2004, Fergus (ancien des SAS) persuade son ami d’enfance Frankie (ancien para) d’intégrer son équipe d’agents de sécurité, à Bagdad, pour un salaire mensuel de 12.000 livres, non imposable. C’est leur dernière chance de “se faire du blé” dans cette guerre dont la privatisation va croissant. Ensemble, ils vont risquer leur vie dans une ville où règnent la violence, la terreur, l’impunité et l’avidité. Une ville par ailleurs inondée de milliards de dollars américains.

En septembre 2007, Frankie meurt sur la “Route Irish”, la route la plus dangereuse de Bagdad. Fergus rejette l’explication officielle et, brisé par le chagrin, retourne à Liverpool où il entame sa propre enquête sur la mort de son alter ego.

Après avoir traité de la guerre d'Espagne dans Land of freedom ou de la guerre d'indépendance de l'Irlande en 1920 dans Le vent se lève, Palme d'or 2006, le britannique Ken Loach s'attelle au conflit irakien avec Route Irish, récit d'une guerre privée. Celle que mène un ancien agent de sécurité ou contractor pour découvrir les responsables de la mort de son meilleur en ami en mission à Bagdad et par extension la guerre privatisée menée par les sociétés d'agents privés qui engragent des fortunes en moyennant leurs services dans ce pays en crise.

Selon les estimations au plus fort de l'occupation 160 000 agents privés étrangers officiaient dans le pays. Ces agents bénéficiaent alors de l'immunité vis-à-vis de la loi irakienne, par le biais de l'ordonnance 17 imposée au nouveau parlement irakien de 2003 à 2009. Des massacres de civils ont été perprétés ainsi en toute impunité (17 civils en plein Bagdad par la société Blackwater). Tueries dont certains agents professionnels sont dégoûtés à vie. Pendant que les agents risquent leur peau sur le terrain comme la Route Irish les dirigeants de leur société comme Halliburton engrangent des fortunes.

Le film de Loach raconte l'enquête menée à Liverpool par cet ancien contractor, marqué par l'horreur du conflit irakien, sur la mort de son meilleur ami dans des circonstances mystérieuses. Son obstination le mènera à s'opposer à ses anciens patrons.

Loach s'attache comme d'habitude au portrait de gens modestes évoluant dans un milieu social âpre et un quotidien grisâtre (les personnages principaux, le musicien irakien qui aide le personnage principal dans sa recherche de vérité) qu'il place dans une intrigue policière avec un sous-texte politique. L'angle d'approche du dossier irakien est particulièrement intéressant avec l'univers des contractors en s'attachant à dépeindre les répercussions psychologiques, morales de leurs actions; le sous-texte engagé avec critique du système et des politiques toujours salutaire.

Le parcours du personnage principal en quête de vérité et de morale le verra emprunter la voie glissante de la justice expéditive avec notamment une scène de torture où on sent son auteur peu à l'aise. Le cheminement intérieur de cet homme de guerre en quête de rédemption prend le pas sur le déroulement de l'enquête policière expédiée.

Dommage que Loach ne parvienne pas à trouver le bon équilibre entre le drame social centré sur un personnage en crise et le thriller politique avec une enquête policière convenue et prévisible.

Fighter / David O.Russell

2011-03-17T01:49:00.000-07:00

Micky Ward est un jeune boxeur dont la carrière stagne. Il va rencontrer Charlene, une femme au caractère bien trempé, qui va l'aider à s'affranchir de l'influence négative de sa mère, qui gère maladroitement sa carrière, et de ses sœurs envahissantes.
Son demi-frère Dicky Eklund, lui, a connu la gloire sur le ring, il y a bien longtemps. C’était avant qu’il ne sombre dans la drogue, avant son séjour en prison.
Entre le sportif en quête d’un second souffle et l’ex-toxico, il y a longtemps que le courant ne passe plus. Trop de non-dits, d’échecs et de souffrances. Pourtant, parfois, les hommes changent, et Micky et Dicky vont peut-être avoir ensemble, la chance de réussir ce qu’ils ont raté chacun de leur côté…

Basé sur l'histoire des frères boxeurs Ward et Eklund, Fighter est tout autant un très bon film sportif à la réalisation énergique avec un bon travail sur la bande-son qu'une intense histoire de famille frappant vite au coeur.
Le combat mené par le personnage de Wahlberg sur le ring avance en parallèle avec celui mené dans sa vie personnelle, face à lui-même et sa famille, affrontements physiques et psychologiques imbriqués habilement par David O.Russell dans cette attachante histoire familiale.
Cette famille envahissante et pittoresque (voir l'impayable cohorte de soeurs-harpies) d'où émerge une mère excessive forte en coups de colère et un frère toxico qui vit dans les souvenirs glorieux d'un match remporté face à une légende de la boxe incarnés par les excellents Melissa Leo et Christian Bale est racontée sur un ton tragi-comique entre naturalisme et satire. La noirceur de la partie réservée au personnage de Bale est ainsi contre-balancée par l'amusement provoqué par les engueulades parfois homériques mettant en scène les femmes. Des scènes de disputes comme de réconciliations se dégagent une vérité émotionnelle irriguant ce récit de combat où il est question de fierté, d'acceptation de son passé, d'amour fraternel, de liberté (est-elle possible à l'intérieur du cercle familial?).
Cette histoire de sublimation est aussi celle David O.Russell qui après l'échec retentissant de I love Huckabees (2005) revient sur le devant de la scène avec une mise en scène inspirée où l'image aborde différentes définitions vidéo selon les micro-récits développés dans cette true story (le documentaire consacré par HBO à Dicky, la captation des matchs), un montage percutant lors des scènes d'action comme d'une très bonne direction d'acteurs, tous excellents, les hallucinants Leo et Bale laissant paradoxalement le musclé Marc Wahlberg en retrait dans un rôle subtil comme a pu lui offrir James Gray.

Fighter s'impose dans le genre du film de boxe comme une très belle réussite, les scènes d'action ayant autant d'impact que celles en dehors du ring où brille un magnifique quatuor d'acteurs (ajoutons Amy Adams en barmaid au grand coeur).

Les cinq premières minutes du nouveau film de S-F du réalisateur de Moon

2011-03-15T10:21:00.000-07:00

Le nouveau film de Ducan Jones, le réalisateur de l'épatant Moon, sort en salles le 20 avril prochain.

Retrouvez plus bas le synopsis de Source code interprété par Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan et Vera Farmiga et surtout les cinq premières minutes du film

Colter Stevens se réveille en sursaut dans un train à destination de Chicago. Amnésique, il n’a aucun souvenir d’être monté dedans. Pire encore, les passagers du train se comportent avec lui avec familiarité alors qu’il ne les a jamais vus. Désorienté, il cherche à comprendre ce qui se passe mais une bombe explose tuant tout le monde à bord.
Colter se réveille alors dans un caisson étrange et découvre qu’il participe à un procédé expérimental permettant de se projeter dans le corps d’une personne et de revivre les 8 dernières minutes de sa vie. Sa mission : revivre sans cesse les quelques minutes précédant l’explosion afin d’identifier et d’arrêter les auteurs de l’attentat. A chaque échec, les chances de pouvoir revenir dans le passé s’amenuisent.
Alors qu’il essaie d’empêcher l’explosion, ses supérieurs lui apprennent qu’un deuxième attentat est en préparation en plein cœur de Chicago et qu’il ne s’agit plus de protéger les quelques passagers du train mais la ville toute entière. La course contre la montre commence…

Taxi driver remasterisé pour sa sortie blu-ray

2011-03-14T12:09:00.000-07:00

Taxi Driver de Martin Scorsese, Palme d'or 1976, sortira prochainement en blu-ray.

Pour l'occasion le chef d'oeuvre du réalisateur de Shutter Island a bénéficié d'une récente restauration intégrale en 4K.

Le film sortira tout d'abord aux USA en Blu-ray disc dès le 5 avril prochain avec un encodage 1080p issu de ce nouveau master. Le Blu-ray proposera VO, VF et V.Allemande en DTS-HD Master Audio 5.1. Les bonus de cette édition :

• Commentaries:
o Director Martin Scorsese and writer Paul Schrader (recorded in 1986 by The Criterion Collection)
o Paul Schrader
o Professor Robert Kolker
• Interactive Script to Screen
• Martin Scorsese on Taxi Driver
• God's Lonely Man
• Producing Taxi Driver
• Influence and Appreciation: A Martin Scorsese Tribute
• Taxi Driver Stories
• Making Taxi Driver
• Travis' New York
• Travis' New York Locations
• Storyboard to Film Comparisons with Martin Scorsese
• Animated Photo Galleries
• movieIQ

Pour l'édition française une édition limitée digipack + jeu de photos est prévue pour le 4 mai prochain. Pas de détails techniques pour l'instant mais un visuel ci-dessus.

Ma critique de Taxi driver est à lire ICI

Première bande-annonce de Super 8

2011-03-11T09:34:00.000-08:00

Super 8, le nouveau long-métrage de J.J.Abrams produit par Steven Spielberg, longtemps tenu secret, vient de dévoiler son synopsis et son premier trailer, assez prometteur.
Super 8 sortira dans les salles le 08 août prochain.

Le pitch
Durant l'été 1979, un groupe d'amis habitant une petite ville de l'Ohio est témoin d'une catastrophe ferroviaire alors qu'ils tournent un film en super 8. Très rapidement, ils suspectent qu'il ne s'agit peut-être pas d'un accident. Peu après, des disparitions insolites et des événements inexpliqués commencent à fleurir dans la ville. L'adjoint du shérif tente alors de découvrir la vérité - quelque chose de bien plus terrifiant que tout ce qu'ils auraient pu imaginer.

La princesse de Montpensier en vidéo

2011-03-09T12:15:00.000-08:00

Le beau film de Bertrand Tavernier, La princesse de Montpensier, est désormais disponible en DVD et blu-ray chez Studio Canal.

Les bonus de l'édition HD :

- L'interview de Didier Le Fur, conseiller historique du film (10 mn) - L'émission "La Rencontre" de Laurent Weil avec Mélanie Thierry et Raphaël Personnaz réalisée par David Périsère (22 mn) - Les commentaires audio de Bertrand Tavernier - Le documentaire «Empreintes - Bertrand Tavernier, cinéaste de toutes les batailles» de N.T. Binh (51 mn) - Le making of « Bertrand Tavernier, portrait en mouvement » (documentaireréalisé par Pierre-Henri Gibert) (58 mn)

Ma critique du film est à lire ICI

Les petits mouchoirs / Guillaume Canet

2011-03-05T01:24:00.000-08:00

A la suite d'un événement bouleversant, une bande de copains décide, malgré tout, de partir en vacances au bord de la mer comme chaque année. Leur amitié, leurs certitudes, leur culpabilité, leurs amours en seront ébranlées. Ils vont enfin devoir lever les "petits mouchoirs" qu'ils ont posés sur leurs secrets et leurs mensonges.

Après l'adaptation d'un polar de Harlan Coben, Guillaume Canet livre avec Les petits mouchoirs son film le plus personnel. Inspiré de faits survenus dans sa propre histoire, tourné avec une bande de proches et d'amis dans des lieux familiers, cette chronique douce-amère de trentenaires dont les vacances sont l'occasion d'une remise en question et d'un bilan sur leur amitié et leur vie a tout du film générationnel avec sa bande de potes attachants comme ont pu l'être dans les années 70 Un éléphant ça trompe énormément ou dans les années 80 Les copains d'abord.

Le jeune réalisateur, avec une sincérité manifeste et une lucidité désarmante, dit, en effet, à travers ce portrait de groupe des choses très justes sur l'amitié, l'amour, la vie, sur les mensonges que l'on se dit à soi même comme aux autres, "les petits mouchoirs"faisant référence pour le réalisateur à ceux que l'on met sur nos problèmes pour ne pas les voir.
Les comédiens, tous excellents, dont on devrait retrouver une bonne partie aux Césars (Cluzet en angoissé chronique est toujours aussi bon, Cotillard débarrassée de tout artifice trouve son meilleur rôle, Magimel avec un personnage complexe fait un beau retour...) sont les vecteurs idéaux des thèmes et des émotions voulus par le réalisateur.
Filmant ses acteurs au naturel, au plus près des visages et des corps, Canet établit une proximité avec le spectateur, emporté par la sympathie et la vraisemblance que lui inspire ce groupe d'amis et ce qui se joue entre eux durant quelques jours.

A la manière de Cassavetes dans Husbands, Canet enregistre simplement, caméra à l'épaule ou plans fixes, lumière naturelle, sans mouvements de caméra ostentatoires ni faits spectaculaires, le quotidien d'amis proches, ses joies, ses peines. L'humour potache et la tension dramatique sont mêlés justement durant deux heures et trente minutes pleines de vie et de passions dont les acteurs traduisent parfaitement, sans sur-jeu ou cabotinage, toute la complexité, les contradictions, les nuances. On pourra d'autant plus lui reprocher un dernier quart d'heure tirant vers l'émotion facile avec musique surlignant les sentiments, virée vers le mélo hollywoodien dont le film se relève par la sincérité et la passion dont fait montre son réalisateur à raconter cette histoire universelle d'amis pour la vie.

Test blu-ray

Technique

Le télécinéma et la compression sont parfaits avec un grain argentique idéal et une profondeur de champ appréciable pour ce récit de vacances aux magnifiques extérieurs.
La piste VF en DTS-HD Master Audio 5.1 propose un très bon rendu des voix comme de la musique.

Bonus

Le making-of de 26' donne la parole à Guillaume Canet qui évoque la genèse du projet, la préparation du tournage (les acteurs ont été réunis sur le décor principal quelques jours avant les premières prises de vues), sa méthode de travail (notamment utilisation de la musique en live sur le plateau pour aider les acteurs à vivre la scène) avec ses acteurs visiblement très complices comme en témoignent les extraits de tournage et leurs interviews.

Après ce module concis et sans langue de bois, le réalisateur présente une sélection de scènes coupées d'une durée de 60 minutes dont certaines comme la séquence du surf ou du tournage de la série TV interprétée par le personnage de Gilles Lelouche valent le détour.

Ensuite sont proposés l'intégralité des film de vacances utilisés dans l'œuvre, 6 petits films dont l'amusante balade en mer avec la « gerboulade ».

L'interactivité de cette édition combo FPE se clôt avec un bétisier.

Jean Dujardin en artiste du muet

2011-03-03T11:04:00.000-08:00

Le réalisateur de OSS 117, Michel Hazanavicius, a tourné son dernier film à Los Angeles avec son acteur fétiche Jean Dujardin, Bérénice Béjot et John Goodman.
Ce film muet, en noir et blanc, nommé The Artist, est une histoire d'amour dans le Hollywood des années 20 en hommage au cinéma muet et des réalisateurs comme Murnau et Borzage que Hazanavicius affectionne particulièrement.
Warner prévoit de sortir The Artist pour la rentrée 2011.

L'éditeur Carlotta qui a sorti en DVD et blu-ray en 2010 des chefs d’œuvre muets peu connus de Frank Borzage s'est entretenu avec Michel Hazanavicius au sujet de son nouveau film.

La vidéo est à consulter ICI

Never let me go / Mark Romanek

2011-03-02T07:44:00.000-08:00

Depuis l'enfance, Kathy, Ruth et Tommy sont les pensionnaires d'une école en apparence idyllique, une institution coupée du monde où seuls comptent leur éducation et leur bien-être. Devenus jeunes adultes, leur vie bascule : ils découvrent un inquiétant secret qui va bouleverser jusqu'à leurs amours, leur amitié, leur perception de tout ce qu'ils ont vécu jusqu'à présent.

Adaptation du roman Auprès de moi toujours (paru en 2005) de Kazuo Ishiguro, Never let me go situe son intrigue dans un monde parallèle à l’Angleterre des années 90 : les avancées médicales ont permis de reculer la mortalité grâce à des donneurs programmés dès leur enfance à sacrifier régulièrement leurs organes.

Sur cette toile de science-fiction qui à l'image de Bienvenue à Gattaca entretient beaucoup de résonnances avec notre quotidien, le récit s'articule autour d'une histoire d'amitié et d'amour déchirante car vouée à disparaitre dans un futur proche.

Divisée en trois chapitres, l'histoire propose tout d'abord un cadre classique de pensionnat anglais de fin du XXème siècle mais très vite des éléments disséminés ici et là dans le plan ou la narration laissent planer une étrangeté déstabilisante : les jeunes pensionnaires ne peuvent franchir l'enceinte de l'établissement, arborent des bracelets magnétiques puis apprennent lors d'un cours que leur destin est programmé. Les trois personnages principaux devenus jeunes adultes sont ensuite envoyés dans une propriété en apparence chaleureuse, Les cottages, où ils sont invités à patienter jusqu'aux premiers prélèvements : "donneurs" ou "aidants," leur futur est inéluctable, pas d'échappatoire, juste une attente résignée que l'amitié, l'amour permettent de soulager.

Le formidable trio composé d'Andrew Garfield, Keira Knightley et Carey Mulligan est le coeur de cette bouleversante histoire mis en image par Mark Romanek, auteur du remarqué Photo Obsession en 2002.

Le réalisateur américain associé à l'auteur britannique Alex Garland parvient à créer un univers mystérieux, très vite angoissant sur les bases d'un monde très réel où les décors, les costumes, les accessoires ont été choisis pour leur côté universel. Romanek laisse adroitement les questions d'éthique, de moralité en second plan pour se consacrer au parcours tragique de jeunes gens à l'existence artificiellement compactée.

Never me let go, sa belle histoire mélancolique sur la perte de l'innocence et l'amour apaisant, le sens du sacrifice et la nécessité de conserver l'espoir, son sujet puissant sur la fragilité et la force de l'être humain traité avec intelligence et sensibilité, devraient toucher le plus grand nombre.

Le palmarès de la 83ème cérémonie des Oscars

2011-02-28T07:41:00.000-08:00

Le discours d'un roi sort grand vainqueur de la 83ème cérémonie des Oscars avec les principaux prix : Meilleur film, réalisateur, acteur, scénario.
Grande favorite, Nathalie Portman a obtenu l'Oscar de la meilleure actrice pour son impressionnante prestation dans Black Swan. The fighter est présent au palmarès à travers les prix d'interprétation de second plan de Christian Bale et Melissa Leo.
Inception obtient 4 Oscars techniques, The Social Network, lui 3 oscars dont celui de Meilleur musique préférée au score du français Alexandre Desplat récompensé récemment aux Césars.
La France repart bredouille : Toy Story 3 a été préférée sans surprises à L'illusionniste dans la catégorie Meilleur film d'animation, le film danois In a better world remportant l'Oscar du Meilleur film étranger face à Hors-la-loi.

Le palmarès complet :

Meilleur film : Le discours d'un roi de Tom Hooper

Meilleur réalisateur : Tom Hooper (Le Discours d'un roi)

Meilleur acteur : Colin Firth (A single man)

Meilleure actrice : Nathalie Portman (Black Swan)

Meilleur acteur dans un second rôle : Christian Bale (The Fighter)

Meilleure actrice dans un second rôle : Melissa Leo (The Fighter)

Meilleur scénario original : Le Discours d'un roi (David Seidler)

Meilleure adaptation : Aaron Sorkin (The Social Network)

Meilleure musique : The Social Network (Trent Reznor et Atticus Ross)

Meilleure chanson : Toy Story 3 (« We Belong Together » ? Randy Newman)

Meilleure photographie : Inception (Wally Pfister)

Meilleurs décors : Alice aux pays des merveilles (Robert Stromberg et Karen O'Hara)

Meilleurs costumes : Alice au Pays des Merveilles (Colleen Atwood)

Meilleur montage : The Social Network (Kirk Baxter et Angus Wall)

Meilleur montage sonore : Inception (Richard King)

Meilleur son : Inception (Lora Hirschberg, Gary Rizzo et Ed Novick)

Meilleur maquillage : Wolfman (Rick Baker et Dave Elsey)

Meilleurs effets visuels : Inception (Chris Corbould, Andrew Lockley et Peter Bebb)

Meilleur film d'animation : Toy Story 3 de Lee Unkrich

Meilleur film documentaire : Inside Job (Charles Ferguson)

Meilleur film étranger : In a better world (Susanne Bier, Danemark)

Meilleur court métrage : God of Love de Luke Matheny

Meilleur court métrage d'animation : The Lost Thing

Meilleur court métrage documentaire : Strangers no more (Karen Goodman)

Le palmarès des César 2011

2011-02-26T01:57:00.000-08:00

Lors de la cérémonie des César 2011, Des hommes et des dieux de Xavier Beauvois a été élu Meilleur film.
Roman Polanski remporte, pour la troisième fois, le prix de Meilleur réalisateur pour le splendide The ghost writer récompensé dans d'autres catégories (musique, montage, photo). Pour les prix d'interprétation Sara Forestier et Eric Elmosnino sont distingués pour respectivement Le nom des gens et Gainsbourg, vie héroïque. Le sympathique film de Michel Leclerc, Le nom des gens et le biopic inspiré de Joan Sfar sur Gainsbourg récoltent également les prix de Meilleur scénario original et de Meilleur premier film.
Enfin Quentin Tarantino a reçu un César d'honneur lors de la soirée.

Le palmarès complet :
- Meilleur film: Des Hommes et des Dieux, de Xavier Beauvois
- Meilleur réalisateur: Roman Polanski (The Ghost Writer)
- Meilleure actrice: Sara Forestier (Le nom des gens)
- Meilleur acteur: Eric Elmosnino (Gainsbourg, vie héroïque)
- Meilleure actrice dans un second rôle: Anne Alvaro (Le bruit des glaçons)
- Meilleur acteur dans un second rôle: Michael Lonsdale (Des hommes et des Dieux)
-Meilleur espoir féminin: Leïla Bekhti (Tout ce qui brille)
-Meilleur espoir masculin: Edgar Ramirez (Carlos, le film)
-Meilleur premier film: Gainsbourg, vie héroïque de Joann Sfar
-Meilleur scénario original: Le nom des gens par Baya Kasmi, Michel Leclerc
-Meilleure adaptation: The Ghost Writer (Roman Polanski, Robert Harris)
-Meilleure musique: Alexandre Desplat (The Ghost Writer)
-Meilleur film étranger: The Social Network (USA), de David Fincher
-Meilleur documentaire: Océans, de Jacques Perrin et Jacques Cluzaud
-Meilleur film d'animation: L'illusionniste, de Sylvain Chomet
-Meilleur court-métrage: Logorama, de François Alaux, Hervé de Crécy et Ludovic Houplain
-Meilleure photo: Caroline Champetier pour Des Hommes et des Dieux
-Meilleurs décors: Hugues Tissandier pour Les aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec
-Meilleur son: Daniel Sobrino, Jean Goudier, Cyril Holtz pour Gainsbourg, vie héroïque
-Meilleurs costumes: Caroline de Vivaise pour La princesse de Montpensier
-Meilleur montage: Hervé de Luze pour The Ghost Writer

127 heures / Danny Boyle

2011-02-23T00:54:00.000-08:00

Parti pour une randonnée en solitaire dans les gorges de l’Utah, Aron Ralston, jeune alpiniste expérimenté, se retrouve bloqué au fond d’un canyon isolé lorsqu’un rocher s’éboule, lui emprisonnant le bras. Pris au piège, menacé de déshydratation et d’hypothermie, il est en proie à des hallucinations avec pour seule compagnie le souvenir des siens. Cinq jours plus tard, comprenant que les secours n’arriveront pas, il va devoir prendre la plus grave décision de son existence…

Après le triomphe de Slumdog Millionnaire aux Oscars 2010 avec 8 statuettes, Danny Boyle a choisi de mettre en images avec 127 heures une histoire vraie, une histoire de survie, celle de Aron Ralston, un randonneur américain qui, malgré son expérience, s'est retrouvé coincé pendant 127 heures dans un canyon dans l'Utah en 2003.

Le défi en terme de mise en scène était de taille pour le réalisateur anglais : faire ''un film d’action dans lequel le héros est immobile''. Les 20 premières minutes, très toniques, traduisent, par un montage nerveux avec split-screen, accélérés, musique rock, la vitalité et la fougue animant le personnage principal vite attachant. L'énergie de cette ouverture, tout en mouvements et lumières éblouissantes contraste idéalement avec la situation immobile et sombre du personnage piégé au fond d'une crevasse durant l'essentiel du récit.

Le drame déclenché, Boyle va se servir de différents outils narratifs et visuels comme le flashback, le flashforward et différents régimes d'images (images cinéma, images vidéo et photographies prises par Aron) pour matérialiser et rendre compte de l'attente insupportable, le remords dévorant, la douleur hallucinatoire. Les bidouillages visuels qui pouvaient agacer par moments dans le précédent Slumdog Millionnaire se trouvent ici complètement justifiés car utilisés pour matérialiser hallucinations, rêves d'un homme qui n'a que l'imagination pour s'évader. Une des thématiques du film, la prise de conscience de l'image que l'on s'est construite et que l'on renvoie aux autres, est ainsi illustrée par ces plans de différentes sources, ceux de l'opérateur du film comme ceux de la caméra amateur du personnage.

Inserts objets, gros plans visage et corps, le calvaire de Aron est détaillé dans la moindre de ses manifestations : douleur physique, désespoir profond, folie rampante. Filmant au plus près de son acteur stupéfiant, James Franco, Danny Boyle installe une tension qui va crescendo, les heures s'égrenant lentement pour notre héros menacé de déshydratation, d'hypothermie et qui voit tout espoir de secours s'envoler.

Sur une histoire qui fait littéralement du surplace, le réalisateur évite l'ennui avec des micro situations dramatiques (se protéger du froid, composer avec l'absence d'eau) et des envolées fantasmagoriques permettant de prendre de la distance avec cette prison naturelle, magnifique décor de canyon, où il s'est enfermé lui-même par, comme il l'avouera, égoïsme. Le sujet principal du film peut se résumer en effet à une remise en question, dans le dépassement de soi et la douleur, de sa propre existence.

Danny Boyle livre avec 127 heures un de ses meilleurs films, une expérience intense, les expérimentations visuelles et sonores coutumières du réalisateur étant comme jamais en adéquation avec le sujet bouleversant d'un homme face à la mort.

Largo Winch 2 /Jérôme Salle

2011-02-21T10:19:00.000-08:00

Propulsé à la tête du groupe W après le décès de son père adoptif, Largo Winch décide, à la surprise générale, de le mettre en vente afin de créer une ambitieuse fondation humanitaire. Mais le jour de la signature, il se retrouve accusé de crimes contre l'humanité par un mystérieux témoin. Pour prouver son innocence, Largo devra retourner sur les traces de sa vie passée, au cœur de la jungle birmane.

Le premier Largo Winch était une tentative plutôt réussie de ressusciter le film d'aventures à la française popularisé par Henri Verneuil et Philippe de Broca dans les années 60 et progressivement laissé en jachère...jusqu'à cette adaptation ciné des tribulations du héros de bd créé par Jean Van Hamme.

Toujours réalisé par Jérôme Salle, ce second opus est une histoire originale s'inspirant des tomes La Forteresse de Makiling et L’Heure du tigre avec une volonté d'offrir un spectacle plus explosif et trépidant que le précédent qui avait comme contrainte de présenter un univers et un personnage, contrat acquité avec des variations de rythme assez frustrantes.

Passé quelques aller-retour temporels un peu laborieux pour tracer les grandes lignes de l'intrigue, Largo Winch 2 corse le cocktail action/aventure offert dans le premier en misant davantage sur l'action pyrotechnique, le glamour et l'humour. Trois grosses séquences d'action parsèment le récit : si la poursuite en voiture et l'attaque d'un village birman sont loin d'égaler les standards hollywoodiens comme Jason Bourne, James Bond (vers lequel cette franchise française lorgne de plus en plus) ou Rambo, la bagarre en chute libre, tournée en conditions réelles, est vraiment impressionnante avec un Tomer Sisley qui a assuré ses cascades.

Aux côtés justement de Tomer Sisley au jeu plus affiné que dans le premier volet, nous retrouvons la sémillante Sharon Stone avec un grand numéro auto-parodique de croisement/décroisement de jambes mais surtout Nicolas Vaude et Olivier Barthélémy en comparses risque-tout.

La présence accrue de ses personnages emblématique de la série est une grande plus-value pour ce nouveau volet divertissant qui appelle forcément une suite à cette réussite française dans un genre dominé par le cinéma américain.

Des hommes et des dieux en vidéo

2011-02-21T02:42:00.000-08:00

Le beau film de Xavier Beauvois, Des hommes et des dieux (3,2 M entrées France), sort en DVD et blu-ray le 23 février chez Warner.

Au programme de l'édition blu-ray combo :

Le DVD du film/Le CD-audio de la bande originale du film /"Les sacrifiés de Tibéhirine" : complément d'enquête (20')/Galerie de projets d'affiches/ Galerie photos du film/ Bande-annonce

A noter que l'édition spéciale Fnac adjoint au coffret un livret de 44 pages

Vous pouvez retrouvez ICI ma critique du film.

Les femmes du 6ème étage / Philippe Le Guay

2011-02-16T05:52:00.000-08:00

Paris, années 60. Jean-Louis Joubert, agent de change rigoureux et père de famille « coincé », découvre qu’une joyeuse cohorte de bonnes espagnoles vit... au sixième étage de son immeuble bourgeois.
Maria, la jeune femme qui travaille sous son toit, lui fait découvrir un univers exubérant et folklorique à l’opposé des manières et de l’austérité de son milieu. Touché par ces femmes pleines de vie, il se laisse aller et goûte avec émotion aux plaisirs simples pour la première fois. Mais peut-on vraiment changer de vie à 45 ans ?

Après L'Année Juliette (1995) et Le Coût de la vie (2003), Fabrice Luchini a retrouvé le réalisateur Philippe Le Guay pour Les Femmes du 6e étage.

Comme dans les deux précédentes comédies du réalisateur (Le Coût de la vie, Du jour au lendemain), des individus questionnent leur propre rapport au bonheur, remettent en question leur existence. Dans Les Femmes du 6e étage un bourgeois un peu austère interprété par Fabrice Luchini se prend de sympathie et d’amitié pour une joyeuse cohorte de bonnes espagnoles qui vit... au sixième étage de son immeuble.

Philippe Le Gay mêle habilement la chronique sociale (l'histoire de femmes venues d'ailleurs) et la fable (un homme à la vie terne découvre le monde apaisant de celles qui vivent au dessus de chez lui) dans cette histoire bien écrite où excelle Fabrice Luchini, touchant en bourgeois mélancolique troublée par une de ses employées de maison.

Les Femmes du 6e étage est une comédie très réussie interprétée également par les talentueuses Sandrine Kiberlain et Carmen Maura.

Retrouvez ICI ma rencontre avec le réalisateur Philippe Le Guay lors du 32ème CINEMED, festival couvert en octobre dernier pour Cinealliance.fr.

L'illusionniste / Sylvain Chomet

2011-02-14T04:50:00.000-08:00

À la fin des années 50, une révolution agite l’univers du music-hall : le succès phénoménal du rock, dont les jeunes vedettes attirent les foules, tandis que les numéros traditionnels – acrobates, jongleurs, ventriloques – sont jugés démodés. Notre héros, l’illusionniste, ne peut que constater qu’il appartient désormais à une catégorie d’artistes en voie de disparition. Les propositions de contrats se faisant de plus en plus rares, il est contraint de quitter les grandes salles parisiennes et part avec ses colombes et son lapin tenter sa chance à Londres. Mais la situation est la même au Royaume-Uni : il se résigne alors à se produire dans des petits théâtres, des garden-parties, des cafés, puis dans le pub d’un village de la côte ouest de l’Écosse, où il rencontre Alice, une jeune fille innocente qui va changer sa vie à jamais.

Le deuxième film du réalisateur de Les triplettes de Belleville est basé sur un scénario inachevé de Jacques Tati.

A l'heure où l'animation 3D relief est en vogue, Sylvain Chomet relève le défi de mettre en image avec L'illlusioniste une histoire simple d'amitié entre un vieux monsieur et une jeune femme, quasiment sans dialogues et en 2D avec un nombre de plans restreint (400 contre 1300 par exemple pour Les triplettes).

La technique brillante, dans la gestion des décors comme de la gestuelle du personnage principal en hommage à Jacques Tati et son personnage de Monsieur Hulot, est au service d'une histoire sensible et mélancolique que le réalisateur de Mon oncle (doublement présent à l'écran dans une scène magique où l'illusionniste se trouve face à son double dans une salle de cinéma) aurait été fier de voir, celle d'un artisan du spectacle luttant pour exercer et vivre de son art.

L'univers de Tati, empli de poésie, burlesque, tendresse, trouve en cet Illusionniste un hommage épatant : le graphisme superbe, l'animation du magicien/Tati, l'évocation nostalgique d'un art sur le déclin produisent un charme certain malgré une intrigue assez mince.

La french touch de ce film d'animation, réalisé dans les studios écossais de Chomet, a attiré les américains qui l'ont nommé dans la catégorie Meilleur film d'animation des prochains Oscars.

Test blu-ray

Technique

Sur le plan technique cette édition séduit avec un graphisme magnifique sublimé par un master impeccable et une surprenante spatialisation de la piste 5.1.

Bonus

Seul supplément de cettte sortie HD FPE un making-of ultra light de 3 minutes qui évidemment ne rend pas justice à ce joli film d'animation dont aurait aimé découvrir plus en détails la fabrication.

Le premier jour du reste de ta vie / Rémi Bezançon

2011-02-13T08:43:00.000-08:00

Le Premier jour du reste de ta vie, ou cinq jours décisifs dans la vie d'une famille de cinq personnes, cinq jours plus importants que d'autres où plus rien ne sera jamais pareil le lendemain.

A l'occasion de sa diffusion TV ce soir, retour sur le succès surprise de l’été 2008 (1 150 000 entrées), l’émouvante saga familiale Le premier jour du reste de ta vie de Rémi Bezançon.

Après le sympathique Ma vie en l’air (2005) sur les problèmes de cœur d’un trentenaire célibataire, Rémi Bezançon propose avec Le premier jour du reste de ta vie la chronique d’une famille nombreuse sur une douzaine d’années à travers cinq journées particulières et déterminantes.
Cet intéressant choix narratif associé à de judicieuses options de mise en scène dynamisent l’ensemble de ces instants de vie croqués avec humour, énergie, mélancolie. Chaque membre de la famille a ainsi, dans cette histoire chorale son segment pour exister : placé sous le regard des autres (le clan familial) et du spectateur, il est au cœur d’évènements intenses et réalistes.

Le ton est toujours juste et témoigne d’une réelle tendresse pour ces personnages très attachants proches d’une famille qu’on a pu connaître. Entre désir d’émancipation et nécessité de retrouver des moments de complicité et de partage, Le premier jour du reste de ta vie met l’accent subtilement sur l’importance des liens du sang.
Portée par des comédiens épatants, connus (Jacques Gamblin, Zabou Breitman) comme moins connus (Marc-André Grondin, Pio Marmai) mis en valeur par un scénario inspiré, rythmée par une bande-son pop-rock irrésistible (Bowie, Reed, Daho…), cette bouleversante chronique familiale est la bonne surprise française de l’été dernier, le prototype de ce que les américains appellent un feel good movie.

Le premier jour du reste de ta vie est disponible en DVD chez Studio Canal notamment dans une édition prestige qui propose outre les suppléments de l’édition simple l’excellente bande-originale sur CD avec la musique de Sinclair et de très bonnes chansons de David Bowie, The Divine Comedy ou Etienne Daho.

Les bonus communs aux 2 éditions :

*commentaires audio où chaque acteur revient sur la journée de son personnage au côté du réalisateur *making-of promo axé sur la complicité de la troupe *intéressantes interviews (40’) de l’ensemble des acteurs *intégralité des films Super 8 qui ponctuent le récit avec un parallèle touchant avec un film personnel du père du réalisateur

Le trailer du péplum de Kevin McDonald

2011-02-08T22:05:00.000-08:00

Le nouveau film de Kevin McDonald, le réalisateur de Le dernier roi d'Ecosse et Jeux de pouvoir, s'apprête à sortir dans les salles US le 11 février soir 2 mois avant sa sortie française prévue le 20 avril prochain.
Production Features Film distribuée par Metropolitan FilmExport, The eagle/L'Aigle de la Neuvième Légion est un péplum interprété par Jamie Bell, Channing Tatum, Donald Sutherland, Mark Strong et Tahar Rahim.
En voici le trailer et le synopsis prometteurs.

En 140 après J.-C., l’Empire romain s’étend jusqu’à l’actuelle Angleterre. Marcus Aquila, un jeune centurion, est bien décidé à restaurer l’honneur de son père, disparu mystérieusement vingt ans plus tôt avec la Neuvième Légion qu’il commandait dans le nord de l’île. On ne retrouva rien, ni des 5000 hommes, ni de leur emblème, un Aigle d’or. Après ce drame, l’empereur Hadrien ordonna la construction d’un mur pour séparer le nord, aux mains de tribus insoumises, du reste du territoire. Pour les Romains, le mur d’Hadrien devint une frontière, l’extrême limite du monde connu. Apprenant par une rumeur que l’Aigle d’or aurait été vu dans un temple tribal des terres du nord, Marcus décide de s’y rendre avec Esca, son esclave. Mais au-delà du mur d’Hadrien, dans les contrées inconnues et sauvages, difficile de savoir qui est à la merci de l’autre, et de révélations en découvertes, Marcus va devoir affronter les plus redoutables dangers pour avoir une chance de trouver la vérité...

Wall Street : l'argent ne dort jamais / Oliver Stone

2011-02-07T10:12:00.000-08:00

En 2001, après avoir purgé sa peine pour fraude boursière, blanchiment d'argent et racket, Gordon Gekko sort de prison. Personne n'est venu l'accueillir, ni sa fille Winnie, qui a coupé les ponts, ni ses anciens collègues qui ont continué à amasser des fortunes durant ses 8 ans d'absence. Jack Moore, un jeune trader, a fait gagner des millions de dollars au fonds d'investissement Keller Zabel dirigé par Louis Zabel, son mentor. Sa petite amie, Winnie, admire son talent et son idéalisme. Lorsque la cotation Zabel s'effondre, la banque d'investissement Churchill Schwartz en profite pour lancer une OPA hostile sur Keller Zabel. Ruiné par la chute de ce dernier, Jake assiste à une conférence donnée par Gordon Gekko...

63ème Festival de Cannes-Hors compétition

23 ans apres le premier opus récompensé par l'Oscar du meilleur acteur pour Michael Douglas, Oliver Stone retourne à Wall Street pour mettre en lumière les pratiques irresponsables des banques d’affaires à travers l’histoire de ce jeune trader, fiancé de la fille de Gekko, bien décidé à se venger d’une banque d’investissement qui a provoqué la mort de son mentor.

Les dix premières minutes, rythmées, prometteuses, mêlent présentation des nouveaux personnages principaux, retour de Gordon Gekko à la vie civile (avec nostalgie à la clé quand lui sont rendus ses anciens biens à sa sortie de prison), plans aériens magnifiques sur New-York. La suite est beaucoup moins glorieuse : en s’attachant à développer une histoire de famille pleine de sensiblerie au lieu de dégainer cynisme et portrait au vitriol du monde financier qui faisaient le sel du premier volet, Oliver Stone passe à côté d'un film percutant. La crise financière n’est qu’une toile de fond où évolue son trio de personnages qui cherchent in fine à se rapprocher. Le personnage de crapule d’anthologie composé par Michael Douglas, Gordon Gekko, manque singulièrement de mordant dans cette suite plombée par un excès d’emphase dont Stone s’avère souvent coupable (sentimentalisme gênant, effets de mise en scène datés).

Trop mélodramatique, boursouflée, Wall Street-l'argent ne dort jamais permet néammoins à Shia LaBeouf de convaincre en jeune trader idéaliste, loin de ces rôles précédents d’ados tête brûlée.

(chronique cannoise; sortie le 29/09/2010)

Test blu-ray

Technique

Le master, très propre, présente un piqué d'une grande précision sur les visages comme sur les plans magnifiques de New-York. Un son assez percutant avec de nombreux effets dont Oliver Stone raffole.

Bonus

Le commentaire, passionnant, d'Oliver Stone révèle un ton plus cinglant sur l'économie américaine que le long métrage, tout en détaillant avec générosité les conditions de tournage et ses intentions pour cette suite 23 ans après un Wall Street devenu un classique.

Un excellent documentaire partagé en 5 segments traite de l'impact du premier film sur notamment les traders de Wall Street qui vouent un culte au personnage de Gordon Gekko, évoque la création de l'univers visuel de cette suite (costumes, intérieurs), offre un focus sur la ville de New-York et le quartier de Wall Street en mélangeant habilement interviews de l'équipe du film, historiens, journalistes, traders.

La discussion entre le réalisateur et ses quatre comédiens principaux (15') permet en toute décontraction à chacun d'évoquer sa vision du film.

Des interviews (25') des cinq acteurs principaux complètent ce module.

15 scènes inédites et intégrales sont enfin proposées : Oliver Stone explique ses choix de montage, des intrigues secondaires en majorité coupées pour de problèmes de complexification du récit et de rythme.

Dotée de très bons suppléments cette édition HD FPE est disponible également en coffret avec le premier Wall Street dont vous pouvez retrouvez ICI le test blu-ray.

Tamara Drewe en vidéo

2011-02-02T13:26:00.000-08:00

L'excellente comédie de Stephen Frears, Tamara Drewe, est disponible en DVD & blu-ray chez TF1 Vidéo.

Au niveau des bonus communs aux 2 éditions :

- Les bandes-annonces - L'entretien avec Stephen Frears (16mn) - Du roman graphique au film (7mn)

Ma critique du film est à lire ICI

Javier Bardem s'est vu offrir un rôle dans le 23ème James Bond

2011-02-01T14:37:00.001-08:00

Le LA Times vient de confirmer l'info qui circulait sur l'offre faite par la MGM à Javier Bardem de participer au prochain James Bond. En effet le journal a discuté avec l'acteur espagnol qui s'est vu proposer d'incarner le méchant dans le 23ème James Bond réalisé par Sam Mendes.

Bardem, en fan de la franchise, a manifesté son intérêt mais attend de lire le script complet avant de se prononcer.

Daniel Craig et Judi Dench sont confirmés dans cette nouvelle aventure, d'après un scénario de Neal Purvis, Robert Wade et John Logan, qui se déroulera dans la continuité de Quantum of solace.

Les nominations pour les Oscars 2011

2011-01-25T12:00:00.000-08:00

Les nominations pour la 83ème cérémonie des Oscars viennent d'être dévoilées.
Le discours d'un roi de Tom Hooper avec Colin Frth est considéré comme le grand favori acec 12 nominations. Le western des Coen, True Grit, arrive derrière avec 10 nominations, Inception de Christopher Nolan et The social network étant chacun cités 8 fois.
Présentée par Anne Hathaway et James Franco , la 83ème cérémonie des Oscars se déroulera le 27 février prochain au Kodak Theater de Los Angeles.

Voici les principales nominations :

Meilleur film

Black Swan de Darren Aronofsky

The Fighter de David O'Russell

Inception de Christopher Nolan

The kids are all right de Lisa Cholodenko

Le discours d'un roi de Tom Hooper

127 heures de Danny Boyle

The Social Network de David Fincher

Toy Story 3 de Lee Unkrich

True Grit des frères Coen

Winter's bone de Debra Granik

Meilleur réalisateur

Darren Aronofsky pour Black Swan

Tom Hooper pour Le discours d'un roi

David Fincher pour The Social Network

Joel et Ethan Coen pour True Grit

David O'Russell pour The Fighter

Meilleur acteur

Jeff Bridges pour True Grit

Jesse Eisenberg pour The Social Network

Colin Firth pour Le discours d'un roi

James Franco pour 127 heures

Javier Bardem pour Biutiful

Meilleure actrice

Nicole Kidman pour Rabbit hole

Natalie Portman pour Black Swan

Michelle Williams pour Blue Valentine

Annette Bening pour The kids are all right

Jennifer Lawrence pour Winter's bone

Meilleur acteur dans un second rôle

Christian Bale pour The Fighter

John Hawkes pour Winter's bone

Jeremy Renner pour The Town

Mark Ruffalo pour The kids are all right

Geoffrey Rush pour Le discours d'un roi

Meilleure actrice dans un second rôle

Amy Adams pour The Fighter

Helena Bonham Carter pour Le discours d'un roi

Melissa Leo pour The Fighter

Hailee Steinfeld pour True Grit

Jacki Weaver pour Animal Kingdom

Meilleur scénario original

Mike Leigh pour Another Year

David O'Russell pour The Fighter

Christopher Nolan pour Inception

Lisa Cholodenko pour The Kids are all right

Tom Hooper pour Le discours d'un roi

Meilleure adaptation

Danny Boyle pour 127 heures

David Fincher pour The Social Network

Lee Unkrich pour Toy Story 3

Joel et Ethan Coen pour True Grit

Debra Granik pour Winter's bone

Meilleur film d'animation

Dragons de Chris Sanders

L'illusionniste de Sylvain Chomet

Toy Story 3 de Lee Unkrich

Meilleur film étranger

Biutiful de Alejandro González Inárritu

Dogtooth de Giorgos Lanthimos

In a better world de Susanne Bier

Incendies de Denis Villeneuve

Hors-la-loi de Rachid Bouchareb

Meilleure musique

John Powell pour Dragons

Hans Zimmer pour Inception

Alexandre Desplat pour Le discours d’un roi

A.R. Rahman pour 127 Hours

Trent Reznor & Atticus Ross pour The Social Network

James Cameron a planifié Avatar 2 pour Noël 2014

2011-01-25T00:45:00.000-08:00

Aux PGA Awards, selon Entertainment Weekly, James Cameron aurait annoncé que son nouveau projet serait la deuxième et troisième partie de la franchise Avatar.

"Je suis en pleine écriture des deux prochains films Avatar, a-t-il déclaré. Nous avons décidé de les tourner ensemble et de les sortir de manière rapprochée, avec un an d'écart environ. Noël 2014 et Noël 2015 figurent dans notre plan de sortie".

James Cameron a ajouté qu'une partie du casting du premier film reviendrait dans les suivants. "Basiquement, si vous survivez au premier film, vous reviendrez dans le second, au moins sous une forme déterminée".

On sait que Sigourney Weaver a rencontré de Cameron afin d'envisager son retour dans les suites, malgré le fait que son personnage meure dans le premier.

Retrouvez ICI ma critique d'Avatar et mon dossier spécial 3D

Rien à déclarer / Danny Boon

2011-01-23T09:04:00.000-08:00

1er janvier 1993 : passage à l'Europe. Deux douaniers, l'un Belge, l'autre Français, apprennent la disparition prochaine de leur petit poste de douane fixe situé dans la commune de Courquain France et Koorkin Belgique. Francophobe de père en fils et douanier belge trop zélé, Ruben Vandervoorde se voit contraint et forcé d'inaugurer la première brigade volante mixte franco-belge. Son partenaire français sera Mathias Ducatel, voisin de douane et ennemi de toujours, qui surprend tout le monde en acceptant de devenir le co-équipier de Vandervoorde et sillonner avec lui les routes de campagnes frontalières à bord d'une 4L d'interception des douanes internationales.

Après le carton de Bienvenue chez les ch'tis et ses 20M d'entrées France, Danny Boon revient, aidé par la même équipe technique et quelques seconds couteaux au générique du précédent auquel se joint l'acteur belge le plus bankable du moment, avec une grosse comédie familiale à la recette similaire : duo mal assorti, romance contrariée, appel à la tolérance le tout soupoudré de bonnes vannes.
Après Bergues, Danny Boon invite le spectateur à découvrir le charme typique d'une localité située dans la commune de Courquain France et Koorkin Belgique, théâtre de la rivalité bon enfant (on n'est quand même pas chez Shakespeare!) entre un douanier belge adepte de l'injure anti-français et de contrôles musclés, Ruben Vandervoorde et le français Mathias Ducatel, son voisin de douane accessoirement épris en cachette de la soeur du dis Vandervoorde.

La première heure est assez amusante avec les prises de becs à répétition entre les deux hommes qui vont être contraints de faire équipe à bord d'une 4L d'interception des douanes internationales : Poelvoorde chaud comme une barrique à frite gesticule et grimace comme le Louis de Funès époque Oury face à un Danny Boon plus en retenue.
En couple de restaurateurs filous, Karin Viard et François Damiens, les seuls seconds rôles bien servis du film, viennent pimenter l'intrigue qui malheureusement patine dur dans le dernier tiers en convoquant un comique de répétition lourdaud (les tentatives de transfert de drogue de la petite frappe jouée par Bruno Lochet), des situations tragi-comiques pas très inspirées (Poelvoorde, ivre de méchanceté rance, flinguant à tout va, est comment dire quelque peu gênant dans une comédie à visée familiale) et filant une histoire d'amour contrariée très fleur bleue (un Roméo et Juliette version Marc Lévy).
Une amusante poursuite automobile, très fast and furious, avec une 4L gonflée à bloc, vient réveiller vers la fin l'attention relâchée, avant le happy end de rigueur de cette comédie sympathique mais pas inoubliable.

(sortie le 2 février 2011, le 26 janvier Nord et Belgique)

photos (FB) prises lors de l'avant-première du film au Gaumont multiplexe de Montpellier le 21 janvier 2011

Les Runaways/ Floria Sigismondi

2011-01-22T05:44:00.000-08:00

Los Angeles, 1975. Joan Jett et Cherie Currie, deux adolescentes rebelles, se rencontrent et deviennent les figures emblématiques de ce qui se révélera être le plus célèbre des groupes de glam rock féminin, les Runaways. Après une irrésistible ascension dans une Californie en ébullition créative, ces deux jeunes stars légendaires vont ouvrir la voie aux générations futures de femmes musiciennes. Sous l’influence de leur imprésario, l’excentrique Kim Fowley, le groupe va vite s’imposer et déchaîner les foules. Au-delà d’une trajectoire unique, voici l’histoire vraie de jeunes filles qui en se cherchant, vont toucher leurs rêves et changer la musique pour toujours.

Premier film de cinéma par la réalisatrice de clips Floria Sigismondi, Les Runaways s'attache à raconter via la chronique d'une adolescence agitée l'histoire du premier grand groupe de rock féminin emmenée par Joan Jett.
La réalisatrice évite les écueils du biopic classique en se focalisant sur le parcours initiatique de deux jeunes femmes propulsées dans le monde sulfureux du rock des années 70, récit d'une aventure incroyable balisée d'épisodes intenses où Dakota Fanning et Kirsten Stewart, la blonde Cherie Currie et la brune Joan Jett, donnent toute la mesure de leur talent notamment en réinterprétant les chansons des Runaways. Entourant ce duo charismatique, Michael Shannon compose à nouveau un personnage halluciné, le producteur Kim Fowley. L'euphorie et les déceptions, le vertige de la gloire et la séduction dangereuse des paradis artificiels sont justement exprimés par les deux actrices dont Fanning qui a bien grandi depuis son rôle de petite chouineuse de La guerre des mondes hérite du rôle le plus complexe.
L'esthétisme des plans capture l'énergie rock et son cortège de dérives tout en suggérant les émotions (envie de reconnaissance, jalousie, amour, spleen) qui assaillent ces jeunes filles montées trop haut et trop vite. Floria Sigismondi a volontairement délaissé la matérialisation de l'inspiration créative (comment Joan Jett composait les chansons du groupe) et une approche psychologique de ses personnages pour se concentrer sur les manifestations du romantisme sombre de ces adolescentes saisies dans un portrait impressionniste renvoyant au travail de Sofia Coppola (Virgin suicides) comme à celui d'Anton Corbijn (Control).

Test DVD
L'image SD est très convaincante avec un piqué très convenable, des contrastes bien gérés et une colorimétrie riche respectant la belle photographie de Benoît Debie. La piste Anglais Dolby Digital 5.1 permet d'apprécier la sympathique bande-son de ce film rock.

Bonus
Pour débuter est proposé un commentaire audio exclusivement féminin avec Joan Jett, Kristen Stewart et Dakota Fanning.
Puis un making-of classique (15'), composé d'extraits du tournage et d'interventions des actrices principales, de la réalisatrice Floria Sigismondi, des producteurs et de l'artiste Cherie Currie qui a écrit une autobiographie dont le film est inspiré, est proposé en complément de l'agréable interview (14') de la réalisatrice qui revient sur ses intentions comme sur son travail avec ses actrices qui ont bénéficié pour la préparation et sur le set des conseils de Joan Jett et de Cherie Currie.
2 courts modules de 2'chacun, un spot sur le groupe des Runaways et le casting, le clip de la chanson Cherry Bomb, sont ajoutés à cette édition de belle facture signée Metropolitan Film Export.

Chronique réalisée en partenariat avec Cinetrafic.fr à retrouver également sur la page du film : http://www.cinetrafic.fr/film/26906/les-runaways.

Les nominations pour les César 2011

2011-01-21T12:24:00.000-08:00

Les nominations pour les César 2011 viennent d'être dévoilées : Des hommes et des dieux, avec 11 nominations, est le grand favori suivi par The ghost writer et Gainsbourg (vie héroïque). Pour la première fois, le César d'animation sera décerné. Quentin Tarantino recevra un prix pour l'ensemble de sa carrière. Présidée par Jodie Foster et animée par Antoine de Caunes, la cérémonie des César se tiendra le 25 février 2011 au théâtre du Chatelet.

Meilleur film:

L'Arnacoeur
Gainsbourg (vie héroïque)
The Ghost-Writer
Mammuth
Le Nom des gens
Tournée
Des hommes et des dieux

Meilleur réalisateur:

Xavier Beauvois (Des hommes et des dieux)
Bertrand Blier (Le Bruit des glaçons)
Olivier Assayas (Carlos)
Roman Polanski (The Ghost-Writer)
Mathieu Amalric (Tournée)

Meilleur acteur:

Gérard Depardieu (Mammuth)
Romain Duris (L'Arnacoeur)
Jacques Gamblin (Le Nom des gens)
Lambert Wilson (Des hommes et des dieux)
Eric Elmosnino (Gainsbourg (vie héroïque))

Meilleure actrice:

Isabelle Carré (Les Emotifs anonymes)
Catherine Deneuve (Potiche)
Sara Forestier (Le Nom des gens)
Charlotte Gainsbourg (L'Arbre)
Kristin Scott Thomas (Elle s'appelait Sarah)

Meilleur acteur dans un second rôle:

Niels Arestrup (L'Homme qui voulait vivre sa vie)
Gilles Lellouche (Les Petits mouchoirs)
Michael Lonsdale (Des hommes et des dieux)
Olivier Rabourdin (Des hommes et des dieux)
François Damiens (L'Arnacoeur)

Meilleur jeune espoir masculin:

Arthur Dupont (Bus Palladium)
Grégoire Leprince-Ringuet (La Princesse de Montpensier)
Pio Marmai (D'amour et d'eau fraîche)
Raphaël Personnaz (La Princesse de Montpensier)
Édgar Ramírez (Carlos)

Meilleur jeune espoir féminin:

Anaïs Demoustier (D'amour et d'eau fraîche)
Léa Seydoux (Belle Epine)
Audrey Lamy (Tout ce qui brille) et Leïla Bekhti (Tout ce qui brille)
Yahima Torres (Vénus noire)

Meilleur scénario original:

Le Bruit des glaçons (Bertrand Blier)
Des hommes et des dieux (Etienne Comar et Xavier Beauvois)
Mammuth (Benoît Delépine et Gustave Kervern)
Tournée (Mathieu Amalric, Philippe Di Folco, Marcelo Novais Teles et Raphaëlle Valbrune)
Le Nom des gens (Baya Kasmi et Michel Leclerc)

Meilleure adaptation:

L'Arbre (Julie Bertuccelli)
La Princesse de Montpensier (Jean Cosmos, François-Olivier Rousseau et Bertrand Tavernier)
L'Homme qui voulait vivre sa vie (Eric Lartigau et Laurent de Bartillat)
Potiche (François Ozon)
The Ghost-Writer (Robert Harris et Roman Polanski)

Meilleure première œuvre:

Gainsbourg (vie héroïque)
Simon Werner a disparu...
Tête de Turc
L'Arnacoeur
Tout ce qui brille

Meilleur film d'animation:

Logorama (court-métrage)
L'Homme à la Gordini (court-métrage)
Une vie de chat
Arthur 3, la guerre des deux mondes
L'Illusionniste

Meilleur film étranger:

Les Amours imaginaires
Bright Star
Dans ses yeux
Illégal
Inception
Invictus
The Social Network

Meilleur film documentaire:

Benda Bilili!
Cleveland contre Wall Street
Entre nos mains Yves Saint Laurent - Pierre Bergé, l'amour fou
Océans

Trilogie Robocop

2011-01-16T10:30:00.000-08:00

A l'aube de l'an 2000, Detroit est, comme toujours dans cette sorte d'histoire, la proie du crime et de la corruption. Pour pallier ce terrible etat, les services de police inventent une nouvelle arme infaillible, Robocop, mi-homme, mi-robot, policier electronique de chair et d'acier qui a pour mission de sauvegarder la tranquillite de la ville. Mais comme souvent, ce cyborg a aussi une âme.

23 ans après sa sortie il est toujours sympathique de revoir Robocop (1987) pour sa satire du capitalisme et de l'ultra-libéralisme débridé personnifiée par la multinationale baptisée OCP qui contrôle la police locale et d'autres domaines publics comme les hôpitaux ou bien encore la presse. La collusion du monde des affaires et du crime est filmée avec mordant et énergie par Paul Verhoeven qui se régale à rendre ridicules, par l'absurde, ces patrons cyniques et avides de pouvoir.

Robocop se rattache à la série B avec ses méchants caricaturaux, sa violence outrancière dans une société futuriste où les robots font leur apparition pour pallier les problèmes de sécurité.

Figure emblématique du superflic, Robocop est une machine qui rêve et a une âme, le film reproduisant avec efficacité le schéma classique de la créature en quête d'humanité.

Ce premier opus, bien rythmé, illustre de manière assez violente le chaos urbain rongeant une mégalopole où veille un Peter Weller émouvant sous sa carapace.

Robocop est de retour pour protéger les innocents.

Dans le second volet (1989) Robocop retrouve sa partenaire Nancy Allen sous la direction cette fois de Irvin Keshner (L'empire contre-attaque).

Ecrit par Frank Miller (Sin city) Robocop 2 reprend la thématique de la violence de la société moderne en proposant des situations excessives (des enfants commettent des actes violents, un policier corrompu est amputé vivant), des scènes d'action plus spectaculaires et plutôt bien réalisées pour l'époque avec toutefois des effets en stop motion qui ont assez mal vieilli qui plus en HD.

Malheureusement Robocop commence à s'autoparodier (dans le premier tiers il est débité en pièces détachées puis reprogrammé par la multinationale OCP pour observer un comportement plus policé), l'humour injecté tendant à réduire l'intérêt pour cette sequel qui tient à distance la relation Nancy Allen/Robocop.

Dans un futur proche, la multinationale OCP decide de construire Delta City sur les ruines du vieux Detroit. Un groupe d'habitants irreductibles refuse de quitter les lieux. Pour les convaincre, OCP decide de reprogrammer Rococop, policier d'elite fabrique a partir de l'officier Murphy. Mais le docteur Lazarus, charge de l'entretien de Robocop, refuse d'effacer la memoire de Murphy.

Réalisé par Fred Dekker en 1993, Robocop 3 ne propose rien de nouveau à l'univers mis en place par Verhoeven et vire vers le nanar avec ses robots ninjas, son Robocop volant avec un jet-pack. Le changement d'acteur est fatal à cette dernière partie.

Test blu-ray

Technique

Déjà sorti sur le support en 2008, Robocop ne bénéfice malheureusement pas de master restauré : du bruit vidéo sur de nombreux arrière-plan , une compression MPEG-2 datée, une définition perfectible pour une image bien éloignée des standards blu-ray.
La piste en VO proposée en DTS-HD Master Audio 5.1 est correcte pour une production datée années 80.

Robocop 2 bénéficie d'un transfert plus satisfaisant avec un encodage MPEG-4 AVC, des couleurs et des contrastes offrant un meilleur rendu. Une définition pas vraiment optimale et quelques salissures pellicule minorent le bilan. La VO proposée en DTS-HD Master Audio 5.1 s'avère plus dynamique que la VF lors des séquences d'action (explosions, fusillades) avec une meilleure spatialisation 5.1.

Le bilan technique pour Robocop 3 est similaire à celui du second avec un transfert correct où la bonne gestion des contrastes et des couleurs s'accompagne d'une granularité assez présente et d'une définition moyenne dans certains plans à effets spéciaux. La partie sonore du dernier opus s'avère un peu en retrait par rapport au second avec des effets plus étouffés.

Bonus

Aucun bonus est proposé dans ce coffret, vendu par FPE à un prix ami (29.99€ ).

Le 23ème James Bond sortira en novembre 2012

2011-01-12T02:09:00.001-08:00

MGM et EON Productions viennent d'annoncer que le 23ème James Bond est programmé pour sortir en novembre 2012 (le 9 aux USA et dans la foulée en France).

Le nouveau film qui va entrer en production à la fin de l'année sera écrit par Neal Purvis, Robert Wade et John Logan.

Sam Mendes (Les sentiers de la perdition, American Beauty) sera derrière la caméra et Daniel Craig reprendra son role de 007.

Maintenant que MGM est sorti de sa déroute financière plusieurs studios courtisent la major pour distribuer ses films. Sony et Paramount sont sur les rangs pour la sortie du James Bond 23.

Ma critique du 22ème James Bond, Quantum of solace, est à lire ICI

Mon beau-père et nous / Chris Weitz

2011-01-10T00:25:00.001-08:00

Il aura fallu 10 ans, deux enfants avec sa femme Pam et d’innombrables obstacles pour que Greg soit enfin accepté par son beau-père. Les doutes de Jack réapparaissent lorsque Greg, à court d’argent, travaille au noir pour un laboratoire... Quand l’ensemble du clan Furniker, y compris Kevin, l’ex de Pam, se retrouve pour l’anniversaire des jumeaux, Greg doit prouver à Jack qu’il est un vrai chef de famille. Mais après tous les malentendus, l'espionnage et les missions secrètes, Greg va-t-il réussir l’examen final de Jack et lui succéder à la tête du clan…ou le cercle de confiance sera t-il brisé pour toujours ?

Après deux épisodes réalisés par Jay Roach, le troisième volet de la franchise des Fockers, Mon beau-père et nous (Little Fockers) a été confié à Chris Weitz (Pour un garçon, La boussole d'or) qui reprend bien sûr tous les acteurs qui ont fait le succès de ces deux comédies en adjoignant une flopée de seconds rôles prestigieux.

La succession d'acteurs de renom dans de nouveaux rôles de second plan pas toujours bien exploités (Laura Dern et Harvey Keitel doivent se contenter d'une poignée de dialogues quand Jessica Alba parvient à installer son personnage de commerciale nymphomane) ne parvient pas à masquer l'indigence d'un scénario dont les situations comiques sont moins réussies que dans le premier opus.

Les gags font en effet moins mouche, le rythme s'avère assez paresseux mais le plaisir de retrouver le duo De Niro et Stiller (sans oublier l'excellent Owen Wilson) reste néanmoins présent lors des joutes verbales musclées entre les deux hommes, duels psychologiques et désormais physique émaillés de références jubilatoires au Parrain ou Les dents de la mer.

Menaces dans la nuit / John Berry

2011-01-09T08:58:00.000-08:00

Un jeune gangster en fuite prend en otage une modeste famille.

Ecrit entre autres par Donald Trumbo, dernier film joué par John Garfield, Menaces dans la nuit (He ran all the way ) de John Berry raconte la fuite désespérée d'un petit malfrat après un braquage, traque qui fait écho à celle du réalisateur et de son équipe, contraints de fuir à l'étranger après ce film, en pleine chasse lancée contre les Américains suspectés d’être communistes.

"Menaces dans la nuit est un film sur le malheur" répétait John Berry quand on l'interrogeait sur son film réalisé en 1951. L'inéluctabilité d'un destin funeste frappe en effet dès le début du récit le personnage principal qui voit en rêve que tout cela va mal tourner. L'exécution foireuse d'un larcin, la fuite effrénée à travers la ville pour échapper à la police, la prise d'otage dans un appartement familial sont les grandes étapes d'un cycle infernal où le mal engendre le mal et la mort attend en bout de course. Très vite Berry installe ses personnages dans un huis-clos oppressant où la méfiance, la paranoïa, les trahisons, les déceptions s'exercent pour faire monter la tension dramatique.
John Garfield incarne Nick Robey, un homme du peuple devenu gangster qui prend en otage une famille après un braquage raté. En petite frappe au grand coeur, Garfield convainc par un jeu subtil entre brutalité et sensibilité.
Si le déroulement de la prise d'otage est classique dans sa réalisation avec une succession de scènes de confrontations psychologiques entre le voyou et la famille sans histoires, la traque et l'épilogue impressionnent durablement avec une mise en scène implacable digne des plus grands films noirs où l'angoisse et le désespoir sont traduits brillamment par des cadrages, des mouvements de caméra précis et efficaces qu'un montage nerveux met en valeur bien aidé par la composition fiévreuse de Garfield.

Test DVD

Le master restauré dévoile une image idéalement contrastée et une définition solide. La compression est en outre exemplaire pour de la SD. La piste VO est à privilégier pour son dynamisme comme pour le respect des dialogues.

Pour accompagner ce grand film de série noire est proposé tout d'abord Les 10 d'Hollywood, un documentaire réalisé par John Berry pour plaider la cause de dix collègues emprisonnés pour avoir refusé de révéler leur appartenance au parti communiste américain, plaidoyer vibrant qui lui vaudra d’être dénoncé par son commanditaire Edward Dmytryk.
Puis l'éditeur Wild Side a réunis des entretiens passionnants et touchants avec Pierre Rissient et les fils du réalisateur Arny et Dennis Berry qui reviennent sur la vie et la carrière de celui qui terminera sa carrière en France avec Boesman et Lena en 2001 et dont Menaces dans la nuit mérite vraiment d'être découvert ou revu. Troisième sortie de la collection Classics Confidential, Menaces dans la nuit adjoint au DVD un livre de 80 pages écrit spécialement par Samuel Blumenfeld, critique de cinéma et spécialiste du cinéma américain : une très belle réussite éditoriale.

Robert de Niro président du jury du 64ème festival de Cannes

2011-01-06T13:35:00.000-08:00

L’acteur, réalisateur et producteur américain Robert De Niro présidera le Jury du 64èmeFestival de Cannes qui aura lieu du 11 au 22 mai 2011.

Robert de Niro a déclaré en acceptant cette invitation : « Le Festival de Cannes représente pour moi une occasion rare, car c’est un des plus anciens et des meilleurs festivals au monde. »

Star Wars en blu-ray en septembre aux USA

2011-01-06T13:30:00.000-08:00

Lucasfilm vient d'annoncer que la saga Star Wars sera disponible en blu-ray en septembre.

Twentieth Century Fox Home Entertainment va sortir Star Wars aux USA dans 3 coffrets pour contenter tous les fans :

*un coffret avec l'intégrale, "The complete saga" : 6 films, 9 disques *un coffret avec la trilogie originelle (Episodes IV - VI) : 3 films, 3 disques *un coffret avec la prequel (Episodes I - III) : 3 films, 3 disques

FPE va commercialiser pour la France la franchise Star Wars avec au choix :

*Star Wars L'intégrale - Coffret 9 Blu-ray dont 3 disques de bonus (plus de 30h de suppléments) *Star Wars Prélogie Ep.1 à 3 - Coffret 3 Blu-ray *Star Wars Trilogie Ep. 4 à 6 - Coffret 3 Blu-ray

Pour la France, les coffrets sont déjà en pré-commande exclusivement sur Amazon.fr avec l'intégrale au prix de 95.99 € et les coffrets trilogie à 49.99 € l'unité.

Robert De Niro veut deux suites à Mon beau-père et nous

2010-12-30T14:34:00.000-08:00

Robert De Niro vient de révèler à Wigan Today qu'il jouerait volontiers dans deux autres volets de Meet the Parents (Mon beau-père et moi). "J'ai beaucoup aimé", a-t-il déclaré au sujet de son travail sur Little Fockers (Mon beau-père et nous). "Si nous en faisions un autre ou deux je serais d'accord, j'adorerais".

Il aime dans cette franchise, où un quatrième volet n'est pas au programme pour l'instant, que "l'histoire soit basée sur des situations réalistes" et qu'il puisse être proche de son personnage. "J'aime bien Jack car il est amusant à jouer, de plus les autres personnages sont sympathiques" ajoute De Niro. "Et c'est agréble d'incarner un personnage que tout le monde apprécie".

Réalisé par Paul Weitz (About a boy) avec un casting irrésistible composé de Robert De Niro, Ben Stiller, Owen Wilson, Dustin Hoffmann, Barbara Streisand, Jessica Alba et Laura Dern, Little Fockers (Mon beau-père et nous) est actuellement sur les écrans français.

Clint Eastwood intègre Judi Dench au casting de J.Edgar

2010-12-30T08:27:00.000-08:00

Clint Eastwood dont le nouveau film Au-delà (Hereafter) sort le 19 janvier prochain vient d'annoncer que l'actrice britannique Judi Dench (Casino Royale) rejoignait le casting de son prochain film J. Edgar.

De plus selon lui Charlize Theron a de fortes chances d'intégrer le film.

Leonardo DiCaprio interprétera le rôle titre soit J. Edgar Hoover, le créateur et directeur du FBI de 1924 à sa mort en 1972. Hoover a été incarné récemment au cinéma par Billy Cudrup dans Public enemies de Michael Mann.

Cette future collaboration entre le réalisateur estimé de Gran Torino et l'acteur de 2010 (les excellents Shutter Island et Inception) est des plus attendues pour l'année cinéma 2012.

Predators / Nimrod Antal

2010-12-29T05:16:00.000-08:00

Royce, un mercenaire, se retrouve obligé de mener un groupe de combattants d’élite sur une planète étrangère. Ils vont vite comprendre qu’ils ont été rassemblés pour servir de gibier. A une exception près, tous sont des tueurs implacables – des mercenaires, des yakuzas, des condamnés, des membres d’escadrons de la mort ; des « prédateurs » humains qui sont à présent systématiquement traqués et éliminés par une nouvelle génération de Predators extraterrestres. Voici l’affrontement sans pitié de tueurs absolus…

Après deux épisodes de piètre qualité, Aliens vs Predators et sa suite, l'annonce d'un reboot de la franchise agonisante Predator qui plus est confiée à un fan de la première heure Robert Rodriguez (au final à la production) suscitait pas mal d'espoir dans les rangs des nombreux fans du premier épisode réalisé par John McTiernan.

Confiée à Nimrod Antal (Blindés), la mise en scène de Predators, passée une première demi-heure intriguante, fait dans l'efficace sans inspiration : comme handicapé face au défi de relancer la franchise tout en payant son tribu à l'excellent travail de McTiernan sur le premier volet, le réalisateur déroule quelques scènes d'action intéressantes à défaut d'être intenses, la faute à des personnages assez antipathiques (la palme au personnage ridicule de Laurence Fishburne) et des idées peu probantes (la scènes avec les chiens).

Toute la dimension de survie en milieu hostile qui faisait le sel du premier Predator (voir le combat final entre Scharwzy héros mythologique de retour à l'âge de pierre et son puissant ennemi) n'est jamais exploitée pour faire de cet épisode autre chose qu'une chasse à l'homme musclée certes divertissante mais prévisible et parfois poussive dans son exécution.

Le début laissait augurer de belles choses en terme d'ambiance et de mise en scène (intro percutante, décors naturels superbes, situation de départ mystérieuse), les deux tiers du film déçoivent sans que l'on puisse parler d'accident artistique, les clins d'oeil au premier volet et des plans bien composés étant garants d'un plaisir de spectateur passager.

Test blu-ray

Technique

La copie de Predators est excellente avec une définition offensive et un piqué d'une grande précision qui permet d'apprécier les nombreux décors extérieurs. Colorimétrie et contrastes sont très bien gérés.

Côté son la piste VO DTS HD Master Audio 5.1 se révèle supérieure dans sa gestion des graves pour décupler les effets des fusillades et autres explosions et mettre en valeur la musique. La piste française est en deçà en terme de création d'ambiance.

Bonus

L'interactivité débute par un commentaire audio de Nimrod Antal et de Robert Rodriguez où l'autosatisfaction des deux réalisateurs est trop récurrente pour ne pas être source d'agaçement et d'ennui, les intervenants se montrant néammoins sincères et passionnés dans leur démarche artistique.

Evolution des espèces : la renaissance des Predators est un making-of sur la conception du film avec images du tournage et interviews, le tout étant trop axé sur la promo pour être intéressant nonobstant un module sur le décor bien fait.

La conception d'une scène s'attache à détailler rapidement la séquence des chiens.

Robert Rodriguez présente les "Motion Comics" avec la voix des acteurs : de petites animations sur le passé des personnages avec les voix des principaux acteurs à réserver aux fans du film.

Toujours dans l'optique de détailler les caractéristiques des personnages le disque propose un petit montage d'infos, Les élus : présentation des personnages.

Enfin dans le lot de scènes inédites et intégrales proposées seules une poignée est vraiment inédite : le personnage de Danny Trejo y apparait plus étoffé et la mysoginie d'un personnage envers celui d'Alice Braga plus accentuée.

Le DVD du film est également inclus dans cette édition FPE.

Largo Winch est de retour

2010-12-27T23:49:00.000-08:00

Largo Winch est de retour sous la direction de Jérôme Salle (Anthony Zimmer) et toujours interprété par Tomer Sisley. Le premier opus, très sympathique film d'aventures, avait totalisé en janvier 2009 1,7 M entrées France.

Sharon Stone sera de la partie dans ce nouveau volet où le milliardaire risque-tout sera cette fois-ci accusé de crimes contre l'humanité.

Distribué par Wild Bunch, Largo Winch 2 sera dans les salles le 16 février prochainement, en voici la nouvelle affiche et la première bande-annonce.

Matt Damon espère jouer dans le prochain film du réalisateur de District 9

2010-12-22T14:27:00.000-08:00

Neill Blomkamp va refaire équipe avec son acteur de District 9, Sharlto Copley, pour son second film Elysium. Ce second film de science-fiction se déroulera dans un futur lointain sur une autre planète. Copley ne jouera pas le rôle principal, Blomkamp espérant qu'il échoiera à Matt Damon.

Le souhait de Blomkamp a toutes les chances de se réaliser car Damon se verrait bien jouer dans le film : "J'ai vraiment, vraiment, vraiment envie de le faire et travailler avec Neill," a récemment révélé l'acteur à MTV News lors du junket de True grit. "Je pense que c'est un génie. J'ai adoré District 9.' Il est l'un de mes films préférés de l'an dernier. J'espère donc que cela aboutira".

Sorti en décembre 2009, District 9 (critique à lire ICI) est unanimement considéré comme l'un des meilleurs films de sf de ces dernières années.

Another year / Mike Leigh

2010-12-22T10:22:00.000-08:00

Printemps, été, automne et hiver. La famille et l'amitié. Amour et réconfort. Joie et peine. Espoir et découragement. La fraternité. La solitude. Une naissance. Une mort. Le temps passe...

Ce film est sélectionné en compétition officielle pour le 63ème Festival de Cannes.

Palme d’Or pour Secrets et Mensonges en 1996, le britannique Mike Leigh en portraitiste sensible des moeurs de ses contemporains revient sur la Croisette avec cette chronique douce-amère sur 4 saisons d’une famille unie et aimante, entourée de proches et amis plus ou moins cabossés par la vie.

Autour de ce couple de bourgeois heureux, altruistes, composé de Gerri, conseillère psychologique et Tom, géologue, gravitent plusieurs personnages en souffrance comme Mary la collègue de Gerri, débordante d’énergie, très collante et à la recherche d’écoute et d’amour. Mais revient régulièrement aussi Joe, le fils avocat célibataire sur lequel lorgne Mary, tentatives de séduction amusantes et désespérées à la fois. Une poignée d’êtres, seuls, tristes, au bord de la dépression après fait le bilan d’une triste vie viennent chercher refuge dans cette maison accueillante où la parole, les confidences, les regrets, les bons souvenirs aussi, circule en flux continu.

Another Year est composé de longues scènes dialoguées pour capturer la vérité des personnages. Si le sujet et son traitement n’ont rien d’original, ce nouveau film de Mike Leigh sonne toujours aussi juste en sondant l’humanité de ses personnages profondément attachants dans leurs moments de joie comme dans leurs coups de blues. Lesley Manville en blonde volcanique, un peu alcoolique, très bavarde, désespérément seule, en est la grande révélation par son jeu nuancé en équilibre instable entre agacement léger et empathie profonde.

(chronique cannoise; sortie le 22/12/2010)

Top 5 2010 des films sortis en salles et en vidéo

2010-12-20T00:19:00.000-08:00

La fin d'année approchant sonne le moment des traditionnels bilans. Voici donc mon top 5 des films sortis en salles en 2010 et mon top 5 des meilleurs blu-ray/DVD (n'hésitez pas à afficher dans les commentaires votre sélection, vos remarques) :

TOP 5 2010 (salles)

1.Inception
2.The Social Network
3.The Ghost Writer
4.Shutter Island
5.Green Zone

Il aura été difficile cette année de passer à côté de l'envoûtant thriller mental du prodige Christopher Nolan, Inception, qui aura séduit aussi bien la presse que le public (5M d'entrées France). Dans un rôle jumeau du Cobb d'Inception, Leonardo DiCaprio aura également impressionné avec sa composition fièvreuse dans le vertigineux Shutter Island réalisée d'après le best-seller de Harlan Coben par el maestro Martin Scorsese.
The social network avant d'être l'histoire passionnante du phénomène Facebook est le portrait saisissant d'un nerd tourmenté devenu roi du monde.
Avec The Ghost Writer Roman Polanski livre l'un de ses meilleurs films, élégant, anxiogène avec un excellent duo d'acteurs.
Enfin Paul Greengrass impressionne à nouveau dans Green Zone avec sa mise en scène trépidante au service d'une histoire forte.

TOP 5 2010 (vidéo)

1.Alien Anthologie (blu-ray/Fox Pathe Europa)
2.Avatar édition collector version longue (blu-ray/FPE)
3.Le nouveau monde version longue (blu-ray/Metropolitan)
4.La chevauchée des bannis (DVD/Wild Side)
5.Minority report (blu-ray/FPE)

L'éditeur Fox Pathe Europa a frappé très fort cette année avec les coffrets Alien Anthologie et Avatar version longue se distinguant par la qualité des masters (mention spéciale pour la copie remasterisée d'Alien de Ridley Scott) et la profusion de suppléments de grand intérêt. Toujours chez FPE, le master entièrement remastérisé en résolution numérique 4K et supervisé par Spielberg lui même permet de revoir et savourer Minority report dans des conditions optimales.
La version longue du sublime Le nouveau monde est enfin disponible dans une édition technique irréprochable, comme souvent chez Metropolitan (voir également le blu-ray de Kick-Ass ou celui de L'élite de Brooklyn). Enfin signalons l'excellent travail éditorial effectué par Wild Side sur La chevauchée des bannis d'André de Toth avec master restauré, documentaire inédit sur le réalisateur présenté par Bertrand Tavernier, livre exclusif de 80 pages, du très boulot similaire à celui réalisé pour l'édition DVD de Menaces dans la nuit sorti tout récemment.

Première bande-annonce du nouveau Terrence Malick

2010-12-16T05:21:00.000-08:00

La première bande-annonce du très attendu Tree of life de Terrence Malick vient d'être dévoilée. Au générique de ce film attendu pour mai 2011 Brad Pitt, Sean Penn se partagent les premiers rôles.

Le pitch
Texas, fin des années 60, Jack l'aîné d'une fratrie de trois, vient de perdre son frère cadet, RL. Devant cette fatalité de la vie, Jack se souvient de son enfance, des doux moments où il était encore le seul fils, grandissant dans la félicité procurée par l'amour inconditionnel de sa mère. La travée de la mémoire s'ouvre... et tout lui revient... les petits frères qui mobilisent l'attention de la mère, la discipline d'un père absent et autoritaire. Jack se laisse envahir par les souvenirs du passé et c'est ainsi qu'au gré de ses expériences, de son parcours initiatique, et au rythme de la perte progressive de ses illusions et de son innocence, nous explorons le cycle de la vie qui n'en finit plus de tourner autour de nous et qui nous précipite tantôt vers le bonheur tantôt vers le drame. The Tree of Life nous propose une profonde réflexion sur le sens de l'aventure humaine.

Dario Argento en DVD restaurés

2010-12-13T02:56:00.000-08:00

Une jeune femme qui vient d'aménager dans un luxueux immeuble new-yorkais apprend que l'architecte l'a conçu pour les trois divinités maléfiques qui gouvernent le monde.

Deuxième opus de sa trilogie des Mères après Suspiria, Inferno a la forme d'un opéra psychédélique où les fulgurances visuelles et sonores s'inscrivent dans des tableaux cauchemardesques où la Mort est omniprésente. Visuellement Argento s'est inspiré de la peinture préraphaélite pour ces tons bleus et roses dominants. La maison a comme dans Suspiria un rôle narratif primordial, dotée comme un être humain d'une conscience.
Après la sorcellerie dans Suspiria, le réalisateur s'empare ici du thème de l'alchimie pour un résultat final certes inférieur en terme de scénario mais à l'esthétique aussi travaillé grâce aux expérimentations du directeur de la photo Romano Albi.

Test DVD
Inédit en DVD et blu-ray en France, Inferno présente un master restauré (image et son) à partir des négatifs originaux transférés en HD.

Technique
Un soin a visiblement été apporté à la restitution de la photographie de Romano Albani mais quelques plans flous et mal définis ajoutés à une granularité certaine dans les scènes en basse lumière procurent une déception. Les pistes mono sont correctes.

Bonus
Un module de 13', L'alchimie du mystère, est proposé comme uniquement supplément des deux éditions : des interviews de Dario Argento, Romano Albani (directeur photo) et Luigi Cozzi (collaborateur d'Argento) permettent d'analyser rapidement les parti-pris esthétiques et thématiques du film.

Dans un collège suisse, une jeune fille capable de communiquer avec les insectes retrouve la trace d'un assassin monstrueux.

Réalisé en 1984, Phenomena peut être considéré comme un film charnière dans la carrière de Dario Argento : le fantastique, au coeur de ce conte de fée horrifique, prend nettement l'ascendant sur le giallo. De plus les débordements sanglants de Inferno ou Ténèbres laissent la place à des images poétiques et des instants magiques via le lien spécial qu'entretient l'héroïne avec les animaux et le rôle des éléments naturels.
Argento s'inspire de l'expressionnisme allemand et de la peinture romantique allemande (Caspar David Friedrich) pour une photographie plus contrastée qu'Inferno, dans des tons plus N&B que ceux de ses précédents films. On retrouve dans Phenomena la prédilection d'Argento pour les parcours semés d'embûches de jeunes héroïnes, il est à nouveau question comme dans le superbe Suspiria de récit d'initiation : elle découvre une personnalité émergente, une faculté extra-sensorielle lui permettant de communiquer avec les animaux qui sont des adjuvants bienvenus face à des hommes monstrueux. Malgré les excès d'une bande-son heavy metal et le recours facile car bien à la mode à l'époque et à la limite du ridicule d'un singe bienveillant, Phenomena séduit par son univers onirique traversé par une Alice somnambule interprétée par une jeune Jennifer Connelly déjà talentueuse.

Test DVD
Phenomena présente un master restauré (image et son) à partir des négatifs originaux transférés en HD, sous la supervision et avec l'approbation de Dario Argento et du chef -opérateur Romano Albani.

Technique

L'édition de Phenomena est bien au dessus techniquement de celle de Inferno (testée ici) avec une compression très solide, une définition solide se rapprochant d'une image HD pour révéler des détails inespérés. Les pistes sonores sont dynamiques notamment la vo anglaise en 2.0 par sa bonne restitution des dialogues comme du déchainement des éléments.

Bonus
On retrouve comme supplément conséquent un documentaire récent de 26 minutes commandé par l'éditeur Wild Side, Rupture et controverse, intéressants entretiens avec le réalisateur, le scénariste, le responsable des effets spéciaux et le compositeur.

Night and day / James Mangold

2010-12-11T11:56:00.000-08:00

Lorsque June rencontre Roy, elle croit que le destin lui sourit enfin et qu’elle a trouvé l’homme de ses rêves. Pourtant, très vite, elle le suspecte d’être un espion et le cauchemar commence.
Elle se retrouve traquée avec lui dans une coursepoursuite à travers la planète qui ne leur laisse aucun répit. Leur vie ne tient qu’à un fil et le danger est partout. Pour avoir une chance de s’en sortir, June et Roy doivent se faire confiance au point de se confier leurs vies. Mais est-ce bien raisonnable ?

Après un biopic sur la légende de la country Johnny Cash et le remake d'un western 3h10 to Yuma, le touche à tout James Mangold s'essaie avec Night & Day (Knight and day) à la comédie d'action portée par un couple glamour Tom Cruise/Cameron Diaz.

A la manière d'un James Bond, le récit nous ballade à travers la planète dans des lieux très cinématographiques (Autriche, Açores, Espagne) au gré des péripéties spectaculaires émaillant le parcours de cet espion un peu dérangé et de cette belle jeune femme légèrement naïve traqués par la CIA et des mercenaires hispaniques à la recherche d'un objet précieux dérobé par l'agent secret.

Les séquences d'action s'enchaînent de manière mécanique tous les quart d'heure avec une prédilection pour les cascades plus folles les unes que les autres avec tous les moyens de locomotion disponibles. Tom Cruise a l'air de s'être amusé à réaliser ses propres cascades, complétées quand même par des CGI un peu trop visibles en HD, accompagné de sa partenaire de Vanilla Sky, une Cameron Diaz sexy en diable et visiblement ravie de donner la réplique à la star de Mission impossible qui semble rejouer sur le mode de la dérision (la scène en moto à Séville) son personnage d'espion de la franchise mythique. Au coeur de l'action le marivaudage entre Cruise et Diaz est assez irrésistible, la jeune femme larguée du début s'affirmant au fil du récit comme une alliée précieuse.

Le récit peu original tourne autour de la recherche d'un MacGuffin (un objet d'une grande puissance énergétique) qui va donner lieu à une course-poursuite effrénée à travers le monde soit une divertissante aventure où, en un soupir, notre couple s'évanouit dans des paysages idylliques, une fuite permanente avant d'atteindre la liberté ensoleillée d'une plage mexicaine.

Le cocktail sexy, humour, action conçu par l'équipe de Night & day est très agréable.

Test blu-ray

Technique

La copie est propre avec un piqué de haute volée. La HD fait merveille dans les contrastes, les plans extérieurs jours des lieux paradisiaques traversés par les héros et a même pour effet de faire ressortir le rendu parfois limite de CGI dans certaines scènes d'action. On remarquera des teintes de peaux virant à quelques reprises vers l'orange et des couleurs peu naturelles dans certains intérieurs sans que cela soit dramatique.

La version DTS HD Master Audio 5.1 s'avère être bien musclée et dynamique dans les scènes d'action comme dans la restitution des dialogues.

Bonus

La version longue propose 8' supplémentaires avec une poignée de scène mettant en avantage Cameron Diaz avec dès l'ouverture la présentation de son environnement professionnel et une scène d'action amusante mais invraisemblable avec un duel moto/taureau où Tom Cruise s'éclate à nouveau à réaliser des cascades improbables. La version longue proposée s'avère dispensable, le rythme étant quelque peu mis à mal par ces scènes d'un intérêt limité une fois intégrées au récit.

Au niveau des suppléments quelques courts modules promo sont proposés comme Les Cascades : folles journées et nuits sauvages (12'30, HD), Les extérieurs : De Boston à l'Espagne (8'10 - HD), L'Ecriture du film (3'50 - HD, Cascades et lieux de tournage : panorama (3'05 - HD). L'équipe du film, producteur, réalisateur, responsable des scènes d'actions et comédiens se félicitent d'un tournage dans des décors réels avec un maximum de cascade en live, déclarations enthousiastes qui après visionnage du film peuvent laisser dubitatif en raison de CGI assez voyants.

Les acteurs jouent au foot (1'10 - HD) et Les cascades : répétitions (1'23 - HD) sont deux petites vidéos virales réalisées pour accompagner la sortie du film.

Enfin Someday : Tom Cruise rencontre les Black Eyed Peas (9'09, HD) permettra aux fans de l'acteur et du groupe de passer un moment sympathique avec les coulisses du concert des Black Eyed Peas à Londres en mai 2010 puis celles d' un concert privé où ils jouent pour la première fois le morceau Someday qui servira au générique de fin du film.

Si cette édition FPE est techniquement de haute volée la partie suppléments est très légère avec ces courts modules exclusivement promotionnels.

De vrais mensonges / Pierre Salvadori

2010-12-07T08:53:00.000-08:00

Un beau matin de printemps, Emilie reçoit une lettre d'amour, belle, inspirée mais anonyme. Elle la jette d'abord à la poubelle, avant d'y voir le moyen de sauver sa mère, isolée et triste depuis le départ de son mari. Sans réfléchir, elle l'a lui adresse aussitôt. Mais Emilie ne sait pas encore que c'est Jean son employé timide qui en est l'auteur, et que Maddy tombera amoureuse de ses mots. Elle n'imagine pas non plus que son geste les projettera dans une suite de quiproquos et de malentendus... Et encore moins qu'elle tombera follement amoureuse de celui qu'elle a mis dans les bras de sa mère...

32ème CINEMED Avant-première

Après les palaces dorés de la Côte d'Azur de Hors de prix, Pierre Salvadori a choisi, pour cadre de sa nouvelle comédie, un salon de coiffure de la ville ensoleillée de Sète. Ce décor, à la théatralité revendiquée (panneaux et carreaux pour observer, rideau dissimulant une déclaration amoureuse) par la mise en scène de Salvadori, va être le lieu d'un triangle amoureux piquant et savoureux.

Comme dans les précédents films du réalisateur de De vrais mensonges, sont mis en scène des personnages peu sûrs d'eux, fragiles émotionnellement ou en plein désarroi amoureux, précipités dans des situations tragi-comiques irriguées de répliques imparables. Le quiproquo, le mensonge, la méprise sont à nouveau convoqués comme carburant narratif : en effet une lettre détournée de sa destination initiale va provoquer un enchainement de situations désopilantes, parfois teintées de cruauté.

On connait l'importance donnée, dans le cinéma de Salvadori, aux objets du quotidien employés comme révélateurs de la psychologie des personnages, des objets avec une fonction narrative, comique ou dramatique (un bijou dans Les marchands de sable, une pièce de monnaie dans Hors de prix...) : ici une lettre lance l'histoire des personnages comme celle du film provoquant de nombreux rebondissements dans la vie des trois personnages principaux.

La relation complexe mère-fille au coeur du récit, faite d'amour et de trahison, trouve en Audrey Tautou et Nathalie Baye de parfaites interprètes, à l'alchimie évidente. Nathalie Baye trouve un beau rôle à multiples facettes : tour à tour fantasque, amoureuse, revancharde, généreuse, elle est vraiment formidable, alternant parfois dans la même scène expressions comiques et signes de détresse émotionnelle, face à Audrey Tautou et Sami Bouajila en amoureux qui n'osent pas se l'avouer.

La mise en scène élégante de Salvadori (formidable scène de déclaration d'amour en ombres chinoises) associée à une mécanique comique savamment agencée autour d'un excellent trio d'acteurs procurent un vrai plaisir de spectateur.

(photo FB prise lors du 32ème CINEMED; sortie le 08/12/2010)

The Ghost Writer, grand vainqueur des European Film Awards

2010-12-04T04:26:00.000-08:00

Le brillant The Ghost Writer de Roman Polanski repart gagnant de la 23ème cérémonie des European Film Awards organisée en Estonie à Talin.

The ghost writer remporte 6 récompenses amplement méritées : Meilleur film européen 2010, Meilleur réalisateur européen 2010 pour Roman Polanski, Meilleur acteur européen 2010 pour Ewan McGregor, Meilleur scénariste européen pour Robert Harris & Roman Polanski, Meilleur compositeur européen pour Alexandre Desplat et Meilleur designer production européenne pour Albrecht Konrad.

Ma critique est à lire ICI

Inception en vidéo

2010-12-02T09:03:00.000-08:00

Le film évènement de Christopher Nolan, Inception, débarque en vidéo le 3 décembre prochain.

Gros succès critique et public (4,5M de spectateurs France, 285M$ au box-office US) pour ce palpitant thriller qui devrait connaître en vidéo une seconde carrière flamboyante.
A cette occasion pas moins de 3 éditions seront proposées : une édition simple DVD, une Ultimate Edition comprenant 2 Blu-ray + 1 DVD + Copie Digitale ainsi qu'une édition limitée et numérotée disponible exclusivement dans les magasins FNAC, la mallette Dream Machine Inception.
Cet objet collector comprend l' édition ultimate 2 blu-Ray, le DVD de bonus exclusif, le guide d’utilisation de la Dream Machine, le dossier de presse, les 7 photos et 2 affiches et last but not least la toupie Inception.

Ma critique de Inception est à lire ICI

Le nouveau monde deTerrence Malick en version longue

2010-12-01T07:09:00.000-08:00

Le magnifique Le nouveau monde de Terrence Malick sort pour la 1ère fois en blu-ray et en l'occurrence dans sa version director's cut.

Le discret Terrence Malick (4 films en 40 ans, autant de chefs d’œuvre) poursuit dans ce film, avec élégance et poésie, sa rêverie métaphysique sur la Nature entamée depuis Badlands (1973). Il y raconte à travers l’histoire d’amour, au début du 17ème siècle, entre le capitaine anglais John Smith et l’indienne Pocahontas, la rencontre de deux civilisations et la naissance de l'Amérique. Œuvre méditative à la sensibilité panthéiste affirmée, Le nouveau monde est d’une beauté visuelle sidérante. Le lyrisme de la mise en scène transporte ce poème élégiaque sur un Paradis perdu vers les rives de la Grâce.

Cette édition HD Metropolitan comprend la version longue avec 30 minutes inédites et en bonus La création du nouveau monde, le making-of du film en vost (60mn).

A bout portant / Fred Cavayé

2010-11-30T00:06:00.000-08:00

Tout va pour le mieux pour Samuel et Nadia : lui est bientôt infirmier et elle, attend son premier enfant. Mais tout bascule lorsque Nadia se fait kidnapper sous l'oeil impuissant de Samuel. A son réveil, son portable retentit : il a trois heures pour sortir de l'hôpital dans lequel il travaille un homme sous surveillance policière. Le destin de Samuel est désormais lié à celui de Sartet, une figure du banditisme activement recherchée par tous les services de police. S'il veut revoir sa femme vivante, Samuel doit faire vite...

Après son très bon premier film, le polar Pour elle avec Vincent Lindon et Diane Kruger, le réalisateur Fred Cavayé plonge à nouveau dans A bout portant une personne ordinaire, un aide soignant joué par l'acteur qui monte Gilles Lelouche, dans une situation périlleuse, sous extrême tension.

On retrouve dans ce second film mais à la puissance 10 la prédilection pour cet amoureux du cinéma américain de l'action trépidante, de l'urgence grisante dans une réalisation précise aux plans soigneusement composés. La psychologie des personnages est réduite au stricte minimum pour laisser la place à une fuite haletante qui vire à la chasse à l'homme implacable entre Meurtre en suspens et Le Fugitif : contraint en un temps limité de faire évader un malfrat en échange de la liberté de sa femme le héros de A bout portant va très vite devoir également prouver son innocence dans une affaire de meurtre impliquant le dit malfrat.

La mise en scène nerveuse est un shoot d'adrénaline dont les effets s'étendent sur 1h25, où les séquences d'anthologie se succèdent, la poursuite dans le métro et l'affrontement dans un commissariat en ébullition étant à ce titre de grands blocs de tension comme on n'en avait pas vu depuis La vengeance dans la peau dont le style documentaire avec caméra portée et le score dynamique de John Powell ont visiblement inspiré Fred Cavayé et le compositeur Klaus Badelt. Mais au coeur de cette agitation permanente mais toujours lisible à l'image Cavayé n'oublie pas de raconter l'histoire de personnages en quête de liberté et de vérité (retrouver sa femme kidnappée, prouver son innocence, laver son honneur), glissant, après la rapide exposition centrée sur le quotidien radieux du héros et de sa femme avant le drame, de manière sporadique au détour d'un plan un peu d'émotion pour éviter le pur effet de style.

Ainsi le réalisateur a choisi des acteurs charismatiques assez talentueux pour asseoir en quelques plans, par un travail subtil de suggestion, la crédibilité de leur personnage et leur parcours. Roschdy Zem et Gilles Lelouche dont l'intensité de la relation kidnappeur/otage n'est pas sans rappeler celle de Tom Cruise et Jamie Fox dans cet autre grand polar urbain qu'est Collateral sont formidables comme Gérard Lanvin en flic ambigu.

Les bons polars français sont suffisamment rares pour ne pas être soutenus. A bout portant qui devrait, à n'en pas douter, faire comme le précédent l'objet d'un remake us (The Next Three Days de Paul Haggis avec Russell Crowe), en est un remarquable représentant.

(Sortie le 1er/12/2010)